Programa

Temazcal (1984) de Javier ÁLVAREZ. Para maracas y cinta

Time & Money (2004) de Pierre JODLOWSKI. Para percusión, vídeo y electrónica

Attraction (2017) de Emmanuel SEJOURNE. Para marimba, vibráfono y cinta

Swerve (2017) de Gene KOSHINSKI. Para caja

Eravie (2009) de Alexej GERASSIMEZ. Para marimba

Schnabel (2018) de Robert SANDERL. Caja y trío de percusión

Notas
Aunque la primera obra del concierto de José Ángel Santo Tomás es del siglo XX, la ya clásica Temazcal, para maracas y cinta del mexicano Javier Álvarez, el resto del programa lo componen piezas escritas en este siglo XXI. Una clara apuesta del joven percusionista, que estudió la carrera en nuestro centro y que en él continúa sus estudios de máster, por la creación actual. La escritura para percusión ha avanzado a pasos agigantados en los últimos cincuenta años y su repertorio ha crecido de manera exponencial. Uno de los compositores que más la ha frecuentado se encuentra el francés Pierre Jodlowski, que explora en su Time & Money los recursos percusivos de una simple mesa, algo que hemos hecho todos en algún momento pero, en este caso, con ayuda de la electrónica y el soporte vidográfico de la imagen. El resto de obras del concierto tienen una estética más similar entre ellas que las dos primeras, y es que están escritas por compositores-percusionistas, una figura que comenzó a aparecer a finales del siglo pasado y que ahora, en el XXI, se ha vuelto más cotidiana. Todas estas obras tienen en común una escritura modal, más bien virtuosística, y que en muchas ocasiones está más cercana a la escrita para bandas sonoras o para músicas populares. Es una música que tiene la virtud de atraer a un público más alejado de la música clásica. Es el caso de Attraction, del percusionista Emmanuel Sejourne, una música diáfana y directa que atrapa desde la primera nota. La obra Swerve de Gene Koshinski es un auténtico despliegue de imaginación, utiliza recursos impensables con una sola caja y mantiene la atención de principio a fin de la pieza. Eravie, de Alexei Gerassimez es más bien un tapiz cercano al chill out, esa música que llena el espacio y que se puede tanto utilizar de fondo como de obra en sí misma. Para terminar, la obra Schnabel, del también percusionista neoyorquino Robert Sanderl que combina láminas y parches en una espectacular pieza para caja solista, la más reciente de todo el recital, y una de las que puede resultar más atractiva para todo tipo de público.

Programa

Job (2007) de Sergio GUTIÉRREZ. Para piano y electrónica. Alberto Rea, piano

Monegros (2009) de Jesús TORRES. Andrea Moral Suárez, piano

Semejante a la noche (2013) de Jesús TORRES. Pablo López, piano

Una punzá en el labio de Irene TAMAYO, Leticia GOÁS, Carlota IBARRA y Lara OLIVA. Luis Rodríguez Triguero, piano

Klaviertück Op. 23 nº2 (1920-23) de Arnold SCHOENBERG. Notations 1-7 (1945) de Pierre BOULEZ. Exi Ortega, piano

Rain Tree Scketch 1 (1982) de Toru TAKEMITSU. Isabel Muñoz Castaño, piano

Gamarús, de Escenas del bosque, cuaderno 1 (2004-2005) de Ramón HUMET. Elena Fernández, piano

Fanfarres (1985) de György LIGETI. Ángela López, piano

Disparate femenino (2020) de Arturo FUENTES. Para piano y electrónica. María Argüeso, piano

Alice’s Adventures in Wonderland (2014) de Raquel GARCÍA-TOMÁS. Para piano, electrónica y vídeo. Andrea Capitán, piano

Notas
Desde hace 23 años, el pianista salmantino Alberto Rosado ha impulsado el estudio de la música contemporánea en el COSCYL. Fruto de ello es el aula de piano contemporáneo en la que también colaboran profesores como Sophia Hase y Brenno Ambrosini. Todos los alumnos que han pasado por el aula han hecho que esta sea un auténtico referente a nivel internacional. A lo largo de estos años has sido muchos los compositores que han trabajado con el alumnado de piano del COSCYL sus obras. Desde Cristóbal Halffter a Luis de Pablo pasando por José Manuel López López, Jesús Torres, Ramón Humet, Ramón Lazkano o Georgina Derbez entre muchos otros. En este concierto presentarán obras tanto de compositores actuales españoles como de autores ya clásicos del siglo XX como Ligeti, Boulez o Takemitsu. Caben destacar la obra JOB, de Sergio Gutiérrez para piano y electrónica, que ha trabajado codo con codo con el pianista Alberto Rea. Al igual que Jesús Torres ha hecho con sus obras que tocarán Andrea Moral y Pablo López. Ramón Humet, que nos ha visitado en varias ocasiones, estará representado con su obra Gamarús, uno de sus “pájaros” de las Escenas del Bosque y Arturo Fuentes, con su Disparate femenino, para piano y electrónica, una interesante digresión sobre la grabación de Cortot de Jeux d’eau de Ravel. Finalizaremos el concierto con una obra de la última Premio Nacional de Música, Raquel García Tomás, una de nuestras mejores compositoras. De ella, Andrea Capitán tocará su Alice’s Adventures in Wonderland para piano, electrónica y vídeo.

Programa

Sonatina para flauta y piano (1943) de Henri DUTILLEUX (1916-2013)

Where the Trade Winds Blow (1982) de Jean COULTHARD (1908-2000)

I. Shining morning

II. Night song

III. East wind

Crits i dances de la mort de Pan (1980) de Josep COLOM (1947)

Redes al tiempo (2002) de Alicia DÍAZ DE LA FUENTE (1967)

Jardín Quimérico (2002) de Jorge TORRES (1968)

Sonata (2003-2013) de Jesús TORRES (1965)

I. (2013)

II. (2003)

Notas

El último concierto del ciclo de contemporánea del COSCYL en el Da2 será presentado por dos alumnas de máster de música de cámara del conservatorio. En él combinan músicas de compositores y compositoras de muy diversas procedencias que han volcado su imaginación en un dúo, el de flauta y piano, que ha tenido su esplendor en el siglo XX. El recital comienza con uno de los clásicos para esta formación, la Sonatina de Dutilleux, una obra extremadamente virtuosística para la flauta y que no deja, por ello, de ser camerística.

Desde el comienzo embriagador hasta el precipitado final, esta música atrapa al oyente. Podríamos decir que emparentada con la Sonatina se encuentra la obra de Jean Coulthard, una pieza evocadora estructurada en tres movimientos, que está a camino entre el neo impresionismo y la exploración de nuevos recursos tímbricos. Crits i dances de la mort de Pan es un manuscrito del pianista Josep Colom que escribió “del tirón” en muy pocos días cuando aún era estudiante en París. Con un lenguaje muy cercano al que había sido su profesor, Joan Guinjoan, nos propone una música en la que enfrenta la calma y la impaciencia, la luz y la oscuridad. En 2002, Alicia Díaz de la Fuente escribió su Redes al tiempo dentro del proyecto más bien didáctico de difusión de la revista Quodlibet.

Es un cuadro lleno de imágenes sonoras que provienen muchas veces del interior del piano o de las técnicas extendidas de la flauta, que a su vez se entremezclan con un texto evocador. Como evocadora es también la música del mexicano Jorge Torres, que en su Jardín Quimérico convierte a la flauta travesera en un sakuhachi japonés. La pieza rebosa plasticidad y belleza en cada rincón. Por último, la Sonata de Jesús Torres que contrapone dos movimientos diametralmente opuestos. Por una parte, un primer movimiento atípico en la música del aragonés, plagada de multifónicos en la flauta y de acordes lejanos en el piano que sumergen al oyente en un constante desasosiego.

El segundo movimiento, en cambio, es pura energía, un despliegue virtuosístico que en muchos momentos roza el límite pero que contiene una belleza y una fuerza fuera de lo normal.

El albergue invisible es el resultado de una exploración por varios códigos de comunicación ligados a ámbitos de marginación social. Lo que en un primer momento se planteó como una interpretación estética de múltiples signos utilizados por comunidades vulneradas fue transformándose, en algunos casos, en una construcción simbólica que nace de historias contadas por personas que artista y comisario han llegado a conocer. Si bien algunas vivencias narradas de viva voz arrojan luz sobre la investigación, el poderoso relato lleva irremediablemente a una construcción poética. En parte para volver a ocultar las señales que querían desvelar, en parte para mostrar la intensidad de estas experiencias.

Esta muestra es un híbrido que pone el foco en la necesidad de inventar, utilizar, adaptar y transformar la comunicación no solo para tener acceso a la posibilidad de mejorar determinadas condiciones o para igualar situaciones de flagrante injusticia, sino también sencillamente para permanecer con vida.

Así, serán cuatro grupos humanos, cuatro códigos, cuatro lugares muy distantes entre sí y cuatro momentos en el tiempo los que serán trasladados a las paredes del centro de arte para dar testimonio de una parte, escondida y silenciosa, que también pertenece al gigante de la comunicación humana.

El lenguaje de Pablo S. Herrero está ligado al código de las formas vegetales. Árboles y bosques, tanto en murales como en obra gráfica, son el vehículo para mostrar relaciones entre lo dinámico y lo estático, individuo y comunidad, sostenibilidad y resistencia. Su medio de actividad como muralista suelen ser los espacios descentrados y marginales, tomando los barrios periféricos como paradigma del rechazo que la ciudad provoca a grandes partes de sí misma. Por otra parte, concentra su trabajo también en zonas rurales. Ha desarrollado proyectos en espacio público en España, Portugal, Francia, Italia, Eslovaquia, Polonia, Noruega, EE.UU., Uruguay, Argentina y Cuba.

Human Project reúne a tres grandes músicos, que crean un estilo personal partiendo de las raíces sonoras del Jazz y combinándolo con varios estilos contemporáneos como el Funky, Latin-Jazz y músicas de lugares recónditos entre otros. Su sonoridad refleja las distintas influencias y personalidades de los músicos que forman este trío donde encontramos a Alberto Navales (España) en la guitarra, Miguel Almeida (Portugal) en el bajo eléctrico y Eduardo Solas (EEUU/España) a la batería. El diálogo entre estos instrumentos permite una creación musical orgánica y espontánea que aborda las fronteras entre la improvisación y la composición.

En esta ocasión y para enmarcar el trabajo expositivo “El Albergue Invisible” de Pablo S. Herrero el programa enraíza desde el jazz, lenguaje marginal de los esclavos afroamericanos en sus orígenes, con el concepto de lo íntimo, lo marginal y la búsqueda de identidades propias y colectivas a través de la improvisación musical. Se podrá escuchar al aire libre temas de universos musicales tales como Miles Davis (EEUU), Charlie Parker, Milton Nascimento (BR) o Beatles (GB.)

Human Project ha actuado en distintos países como Holanda, Portugal y España con gran acogida del público por su calidad sonora y la originalidad de sus interpretaciones.

Human Project reúne a tres grandes músicos, que crean un estilo personal partiendo de las raíces sonoras del Jazz y combinándolo con varios estilos contemporáneos como el Funky, Latin-Jazz y músicas de lugares recónditos entre otros. Su sonoridad refleja las distintas influencias y personalidades de los músicos que forman este trío donde encontramos a Alberto Navales (España) en la guitarra, Miguel Almeida (Portugal) en el bajo eléctrico y Eduardo Solas (EEUU/España) a la batería. El diálogo entre estos instrumentos permite una creación musical orgánica y espontánea que aborda las fronteras entre la improvisación y la composición.

En esta ocasión y para enmarcar el trabajo expositivo “El Albergue invisible” de Pablo S. Herrero el programa enraíza desde el jazz, lenguaje marginal de los esclavos afroamericanos en sus orígenes, con el concepto de lo íntimo, lo marginal y la búsqueda de identidades propias y colectivas a través de la improvisación musical. Se podrá escuchar al aire libre temas de universos musicales tales como Miles Davis (EEUU), Charlie Parker, Milton Nascimento (BR) o Beatles (GB).

El joven grupo salmantino, Saltinvanquis, ganador del I Concurso Municipal de Bandas de Salamanca, presentará su primer disco en el Patio del Da2, el día 12 de junio, día de San Juan de Sahagún, patrón de la ciudad. Saltinvanquis es un grupo de música underground formado por Manu Corrales y Bruno Pino en 2017, con influencias de bandas  como Ketama, Kiko Veneno, Los Delincuentes o Extremoduro. Actualmente, sus temas tienen un estilo personal, con influencias y sonidos tanto del rock y del funky como del flamenco o del reggae. Tras un largo camino haciéndose hueco, el pasado mes de noviembre ganaron el I Concurso de Bandas de Salamanca convocado por el Ayuntamiento.

Próximamente presentarán su disco “Amar hasta doler” con su primer adelanto, el single que da nombre al disco, que ya podemos disfrutar en YouTube y Spotify. Durante el mes de junio, publicarán el disco completo, formado por 10 temas, en todas las plataformas digitales. Sus directos explosivos con toda una banda cubierta por Christian Murgui a la batería, David Toledo a la guitarra eléctrica, David Gómez a los teclados, Máx Echevarría al bajo, Bruno Pino a la guitarra clásica y Manuel Corrales a la voz y guitarra rítmica, seguro que no pasarán desapercibidos.

Kike M compone canciones desde muy pequeño, con 13 años montó su primera banda. 

Después de más de 15 años formando parte de diferentes bandas de Salamanca, decidió trasladarse a Madrid y emprender su propio proyecto musical en solitario. En sus canciones hay rock en castellano, tambores a tierra, folk y melodías épicas cargadas de rabia luminosa. En 2018 grabó un E.P. de tres canciones titulado “Pobladores del suelo, las nubes y el mar” y ha ido publicando muchos más temas a través de su canal de YouTube. Con estos temas bajo el brazo ha ido recorriendo todo el país, combinando los formatos en solitario, en trío o con toda la energía de mi banda.
En pleno confinamiento logró financiar, mediante una campaña de crowdfunding, la grabación y edición de su primer L.P. titulado “Antipersonal”, del cual ya hay publicados varios adelantos, uno de ellos bajo el sello de la nueva discográfica Metales Preciosos Música & Discos. Recientemente ha publicado el tercer single, “La Fortaleza”. Este concierto será una pre-escucha exclusiva del nuevo disco en directo. 

El vigésimo sexto programa del ciclo Visiones Contemporáneas -últimas tendencias del cine y el vídeo en España- un proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales para el DA2 -Domus Artium 2002- está dedicado a la cineasta, bailarina y coreógrafa Tuixén Benet.

Benet codirige la compañía teatral “Les Filles Föllen” con Margherita Bérgamo y también es guitarrista + voz del grupo pop punk “Les Sueques”. Su formación pasa por haber estudiado coreografía y técnicas de interpretación en el Conservatorio Superior de Danza del Instituto del Teatro de Barcelona y dirección cinematográfica en la prestigiosa escuela de audiovisuales “CalArts” en Los Ángeles donde ha dirigido su primer largometraje “Clausura”. En la actualidad, prefiere dirigir que bailar y esta evolución se percibe en sus trabajos, pasando de estar delante de las cámaras en numerosos videoclips y durante cinco años como coreógrafa de los directos de la cantante chilena, Javiera Mena, a colocarse detrás.

En las obras de Benet cobra protagonismo la mujer, el cuerpo y el gesto. Son historias sobre ella misma, sus amigas y esa búsqueda común de encontrar un lugar en el mundo. Las narrativas propias de la ficción cinematográfica varían y no se sustentan sobre los diálogos de los personajes, ni sobre los primeros planos, sino que se canalizan a través de los movimientos de las actrices y los espacios que habitan.

A lo largo de su trayectoria ha sido nominada en múltiples ocasiones a los UK Music Video Awards y condecorada en Le Club des Directeurs Artistiques 2018. En 2020, ha sido galardonada con el Premio Aportación Excepcional al Cine de Danza Choreoscope 2020. Con su compañía “Les Filles Föllen” ganó el Premio Nuevo Talento de Danza 2011 de la Asociación Profesional de Danza de Cataluña.

Para este Ciclo, hemos puesto el foco en las obras en las que interrelaciona de pleno el cine con la danza: “Unitat de Xocs II”, “Aloma & Mila”, “Lazarus” y “Caballo Negro”. Esta será la primera vez que su trabajo se presente en Salamanca.

Vocalis nace en 2016 fruto del interés de sus miembros por afrontar una nueva etapa en su caminar por la música vocal. Los componentes de Vocalis tienen formación clásica.

Durante más de 20 años se han dedicado a la música en distintos ámbitos, especialmente a la interpretación vocal. Como miembros de los más prestigiosos coros de la ciudad de Salamanca, han ofrecido centenares de conciertos por todo el mundo y desarrollado una carrera como solistas. Este bagaje les permite afrontar este nuevo reto con gran solidez. La intención del grupo es la de dar otra dimensión a la música a capella desarrollando estilos diferentes de la música clásica y más cercanos al jazz, fusión y pop-rock. También pretende afrontar técnicas, estilos y una puesta en escena distinta y alejada de la música coral tradicional, así como experimentar con la ayuda de amplificación eléctrica. Su principal interés es el de llegar a todo tipo de público, especialmente al que no es habitual en la música coral con programas que aporten diversión, emoción y sorpresa. 

El Decanato de la Facultad de Bellas Artes y DA2 Domus Artium 2002 por primera vez realizan la exposición de obras resultantes de los Trabajos de Fin de Máster, del recién creado Máster Universitario en Estudios Avanzados en Producción y Prácticas Artísticas. Se trata de la exposición de la primera promoción del este máster.

El acordeonista y compositor internacional Raúl es consideradoe los músicos más relevantes en la evolución del acordeón en el siglo XXI.

Fruto de su trayectoria obtiene el reconocimiento cultural inaugurando Auditorio y Calle que llevan su nombre en los municipios de La Zarza y Chagarcía en la provincia de Salamanca. Realiza conciertos en diversos festivales de música étnica en Europa. Colabora en directo con numerosos artistas de World Music ganadores del Grammy Latino “ Ojos de Brujo", “Kepa Junkera”, “Luis Pastor” entre otros. Tiene publicados cuatro discos: “El fuelle del Charro”, “Sones Tradicionales” “Corito”, y “Aire”. Presenta “Aire”, un proyecto que ha visto la luz este año 2021 con la creación de un nuevo trabajo discográfico con composiciones propias y originales. Una fusión de estilos y ritmos que recorren músicas de diferentes países, desde el jazz manouche, vals musette, tarantela, habanera y forró brasileño entre otros. Un espectáculo multicultural para el disfrute de los sentidos. 

Folk On Crest es un grupo formado por cinco componentes afincados en Salamanca.

Todos ellos fusionan su creatividad para crear un estilo propio. Su concepto musical está marcado por una amplia adaptación de temas tradicionales y composiciones propias que desde 2008 se han plasmado en cuatro trabajos discográficos. En la actualidad el grupo está inmerso en la elaboración de un nuevo disco llamado "soMos", el que puede ser el disco más íntimo y personal con un gran peso de las composiciones propias. Uno de los objetivos de Folk On Crest es exportar y hacer un poco más conocida la música charra y de la meseta castellano leonesa, tan rica en ritmos y melodías. La influencia de músicas y estilos de otras latitudes han aportado nuevas ideas que quedan reflejadas en las composiciones del grupo. Sus conciertos están bañados por un repertorio que no deja indiferente, donde en unos temas el público se involucra con la música, interactuando, sintiendo unas ganas irrefrenables de moverse y bailar, y otros donde la escucha pausada provoca en el oyente un viaje a la nostalgia del recuerdo. 

Hace tiempo que Amparo Sard empezó a preguntarse sobre dónde está el alma de todo aquello que se presenta ante nuestros ojos, sobre cuál es la trascendencia de esas imágenes que tenemos justo delante. Unas dudas pertinentes que le llevaron a iniciar un camino por cuya senda todavía discurre, un itinerario lleno de búsquedas y hallazgos en el que las acciones de transitar y de sentir son mucho más importantes que el acto de encontrar.

Daniel García se ha convertido en una de las voces más originales e influyentes de la nueva generación del jazz español.

“El Jazz y el Flamenco tienen en común cosas esenciales: expresan con mucha intensidad sentimientos muy profundos. Al tocar, exigen compromiso, presencia plena y mucha energía”. Así nos resume de qué trata “Travesuras” (2019), el último álbum de Daniel García Trío, grabado en el sello alemán ACT, uno de los más prestigiosos del mundo y que le ha llevado por los escenarios más importantes del jazz europeo. Daniel García ahonda en la música de su tierra natal y combina sus influencias con el lenguaje del trío de jazz moderno. El resultado es una música expresiva, con sello propio, en la cual la intensidad rítmica se alía con la riqueza melódica y la armonía refinada en una música lírica y desafiante a partes iguales. Daniel García nació en Salamanca en 1983. De familia de músicos, desde el principio estuvo en contacto con una gran variedad de músicas, desde clásica a jazz, rock, canción de autor, flamenco... lo que favoreció una visión musical libre de prejuicios. Se licenció en el Conservatorio Superior de Música de Castilla y León, para posteriormente trasladarse a Boston, becado por Berklee College of Music, durante dos años. La experiencia de años tocando juntos hace que la interacción musical entre Daniel y sus compañeros, Reinier Elizarde “El Negrón (contrabajo) y Michael Olivera (batería), sea fluida, profunda y efectiva. Daniel ha llevado su música por muchos de los principales escenarios europeos (Elbphilarmonie Hamburgo, NDR Jazz Concerts, Radio Nacional Köln, Porgy & Bes Vienna, Unterfhart Munich, Festival de Jazz de Düsseldorf, Piano Festival Katovice, Bimhuis Amsterdam, Schloss Elmau, A-Trane Berlin, Jazzclub Hannover, Zeche Zolverein Essen o WND Jazz Festival entre muchos otros). 

 En 2016, David Jiménez “Tevi” y Michu Cordero deciden juntar a varios músicos salmantinos con los  que habían tocado en anteriores formaciones con la intención de indagar en la música de su tierra  de la que poco les habían contado en su infancia. A ellos dos se unen los salmantinos Cele  Hernández (cantaor) y Javier Montes (tamborilero), de lo que nace una novedosa y particular visión  del repertorio tradicional, sonoridades que se acercan al flamenco, jazz o klezmer fruto del pasado  musical de cada  uno de ellos. Todo su universo se forja en las calles de la costa gaditana donde  pasan un verano dándole forma a un repertorio que iba encontrando su sitio entre jotas y bulerías,  entre charradas y festejos afro-peruanos. Durante el 2017 giran por Salamanca y su provincia y se  incorporará Óscar López, contrabajista proveniente del mundo del flamenco-jazz completando la  formación definitiva. En el repertorio podemos encontrar, cantos de la montaña leonesa con aire de  jarocho mejicano, tonadas de Cantabria que se funden en el martinete del yunke o picaos de la  Sierra de Francia que recuerdan a la tambora colombiana. En 2019 presentan su primer disco "Raíces  con alas” en el que asientan su manera de entender la música; raíces sujetas a nuestro pasado y  alas para volar al futuro. Ese mismo año tras la buena acogida de la crítica comienzan a participar  en festivales de ámbito nacional e internacional; Folk Segovia, Demanda Folk, Conciertos Sentidos,  Fromista, Palencia, Festival de la Sierra de la Culebra, Ferreras de Abajo, Zamora, Artes da Rúa,  Évora Portugal, Festival de Cultura Tradicional hispano-lusa, Almeida Portugal. 

Zlatko Tudja, Luis Prieto, Dani del Amo (Sr. Jabalí) y Mariano forman esta banda salmantina de rockabilly.

Desde 2011 llevan pisando los escenarios de toda España y parte de Europa en países como Francia, Alemania, Italia, Suecia e Inglaterra. Además de ofrecer su potente directo, han acompañado en los escenarios como banda de apoyo a leyendas del rockabilly como Graham Fenton (Matchbox) y Cliff Edmonds (The Avengers), como también compartiendo cartel con los artistas más importantes de este género musical en diversos festivales nacionales e internacionales. En 2016 lanzaron su primer trabajo discográfico titulado "Follow us to the fiery depths of hell", grabado en Coda Studios (Salamanca) y lanzado por la discográfica alemana Rebel Music Rec. En 2017 presentaron su segundo trabajo discográfico. Un EP junto a Cliff Edmonds a la voz, titulado “I love my job”, que también fue grabado en Coda Studios de Salamanca y bajo el mismo sello discográfico. En octubre de este año cumplen 10 años en los escenarios y están inmersos en lo que será su nuevo trabajo discográfico. 

Después de un prolongado silencio, el pianista Fernando Viñals vuelve ilusionado y feliz, más aún, por compartir esta vuelta con tan grandes músicos y mejores amigos.

La incorporación de la voz de Mili Vizcaíno es un bonito recuerdo a la que fue "salmantina" en otros tiempos y que, ahora, comparte vida y música brasileño-portuguesa. El resto de ellos no necesitan ni presentación, ni elogios, fueron, son y serán de lo mejorcito de nuestra música y agradecido está de disfrutar una vez más con todos ellos. 

Los barceloneses Mujeres llevan más de 10 años sin parar de crecer, sin prisa, pero sin pausa, hasta consolidarse como uno de los referentes del rock en castellano que son hoy en día. Canciones rápidas y eternas con letras directas que les han convertido en una referencia para infinidad de bandas por su forma de componer y tocar. Con “Un Sentimiento Importante” consiguieron unanimidad de crítica y público, confirmando con honores que Mujeres son uno de los grupos más necesarios y honestos del panorama actual. Con su nuevo disco, “Siento Muerte”, publicado por Sonido Muchacho en 2020, reafirmaron que lo suyo son los himnos inmortales, esos que nutren la historia del rock.

El madrileño Lucas Vidaur entiende como nadie la dimensión melancólica y dolorosa del ser humano. Es quien se esconde tras el nombre artístico Confeti de Odio. Su disco debut le ha revelado como un artista valiente y honesto, capaz de zambullirse en los sentimientos más profundos y contradictorios del ser humano para retratarlos -y retratarse a sí mismo en ellos- con una puntería solo al alcance de esa sensibilidad especial que pocos tienen. ‘Tragedia Española’ es un perfecto viaje emocional de juventud, a través del ego, el amor y la autoestima que rigen este siglo XXI.

Monteperdido es una banda formada en 2019 por componentes de Ordesa, Poor Walter, y Descubriendo a Mr. Mime. Después de varios años de folk y scream, se juntaron para hacer Ruido Pop en Madrid. El pasado diciembre publicaron su primer disco homónimo, grabado por Borja Pérez en Cal Pau, mezclado por Santi García en Ultramarinos Costa Brava y masterizado por Víctor García en Ultramarinos Mastering BCN. Su debut contiene perlas como “El Balcón” una canción venganza platónica contra un ex maltratador, “El Tarot”, una visión esotérica y misteriosa sobre tirarse el pisto para ligar, “La Distancia”, una oda a la reparación de una amistad mediante los excesos o “Edad de Oro”, un himno nostálgico para treintañeros en crisis.

La banda cántabra de pop progresivo psicodélico Los Estanques lleva demostrando durante cuatro discos que son una de las formaciones más interesantes y productivas de la escena nacional. En el sonido de Los Estanques hay mucho más que pop, mucho más que progresivo y mucho más que psicodelia. Íñigo Bregel y sus compinches han sabido renovar el sonido 70s dotándolo de matices inauditos que lo elevan a una nueva y muy personal dimensión. Beben de C.R.A.G., de los Beatles y de Malcolm Scarpa, pero también coquetean con Vulfpeck, con King Gizzard & The Lizard Wizard, con Dirty Projectors y hasta con Karina. Este año se encuentras inmersos en la gira de presentación de nuevo disco, ‘IV’, elegido entre lo mejor de la cosecha nacional 2020 por medios como El País, ABC o Efe Eme.

Diamante Negro son un fisioterapeuta, un enfermero y un técnico de sonido. Dos de ellos fueron amigos y luego compañeros de escenario y al otro lo conocieron en la escena barcelonesa, concretamente en las caóticas noches de fiesta de la capital catalana. La primera vez que tocaron juntos no sabían ni qué era exactamente Diamante Negro. Probablemente a día de hoy tampoco lo saben, aunque a diferencia de cómo era antes, ahora les da igual y por eso basan su música en la libertad y en la ausencia de límites.

Menta es un grupo que emergió en Madrid en plena pandemia. Meji (voz), Nico Rubio y Rodrigo Godoy (guitarras), Lucas Sierra (bajo), Grego Scopa (teclado) y Pedro del Pozo (batería) publicaron su primer EP en junio de 2020 y causó una sorpresa instantánea. Lo que más marca la diferencia en Menta son sus letras en la voz de Meji. Estamos ante una cantante absolutamente única que desborda carisma. En Menta todo es democrático: todos los miembros del grupo participan de la composición y aportan sus letras, destinadas a abrir nuevas aristas en nuestro pop independiente, como en su momento hicieron Los Punsetes o Carolina Durante.

Fundiendo en sus composiciones la fuerza del rock con los ritmos y colores del funk, el jazz y el neo-soul, Coyote aparece para hacer disfrutar al público con su mejor música fusión. Desde su formación, la agrupación y sus temas han evolucionado influenciados por la música de grupos como Vulfpeck, Snarky Puppy, Hiatus Kaiyote, Guadalupe Plata o Kamasi Washington, creando canciones exigentes y al mismo tiempo, bailables y atractivas para el gran público. Con un álbum y varios singles publicados, Coyote ha ofrecido numerosos conciertos por toda España, participando y ganando premios en festivales y concursos nacionales

Sadia es un artista de rock clásico en español. Apasionado, elegante y adictivo, son algunos de los adjetivos más repetidos para calificar su estilo, donde se dan cita el rock and roll, el blues y el rock sureño. En su música se aprecia el respeto por la tradición y al mismo, tiempo, su sonido es fresco y contemporáneo. Su profesionalidad y entrega se manifiesta en todo su trabajo que gestiona de forma independiente. Como un artesano, da forma a sus canciones, realiza sus producciones discográficas y se echa a la carretera junto a su banda, formada por Mario Sadia (bajo) y Aure Martin (batería).Todo con la misma pasión. Con su primer trabajo discográfico, Cruce de caminos, obtuvo un premio en el Festival Internacional de las Artes de Castilla y León FACYL en 2014. Su último álbum, La flor del opio (2018), cuenta con la participación de músicos de la talla de Iñigo Uribe al piano (M-Clan, 69 Revoluciones), Lucas Albaladejo al órgano Hammond (Loquillo), y Hendrik Röver y los Míticos GT. Próximamente verá la luz su nuevo trabajo producido por Santiago Campillo.

faLsantes es el nombre del proyecto musical de Abel y Manuel. Amigos desde hace años, juntarse para tocar y componer es la actividad que más les une. Numerosos temas propios han surgido a partir de estas reuniones, siendo 2016 el año en el que deciden dar a conocer su obra mediante su primer EP ‘música faLsa’. Este primer trabajo está compuesto por 5 temas propios y ha sido producido por Guille Mostaza en los estudios Álamo Shock. Puede encontrarse tanto en plataformas digitales (Spotify, Amazon) como en formato físico. En su micro-universo conviven personajes de comic y series de TV, amaneceres lisérgicos, vidas enfangadas y antihéroes de barrio. Historias falsas protagonizadas por farsantes. Historias faLsantes. Actualmente el grupo estrena su segundo trabajo, esta vez un disco de larga duración titulado ‘eL juego’.

The Son of Wood es un grupo forjado en las calles de Salamanca que combina instrumentos como guitarra acústica, armónica, violín, bajo y batería con influencias folk, rock, indie y country. Entre sus principales características destacan sus letras que narran realidades cercanas, frustraciones y miedos con un mensaje inconformista, así como la increíble calidad y complicidad que manifiestan en su directo. En el último año, pre-pandemia The Son of Wood estaba inmerso en una gira nacional, dando más de 50 conciertos en más de 30 ciudades españolas.

The Grey Beards es una banda de rock y blues que se formó en Salamanca en el 2013. Desde entonces se dedica a dar conciertos de versiones en locales salmantinos que apoyan la música en vivo. Sus miembros, de distintos países de origen, residen en Salamanca y les une una pasión común por el rock y blues que abarca un período desde los años 70 hasta el inicio del siglo XXI. Versionan bandas como Dire Strait, Pink Floyd, Led Zeppelin, Muse,… The Grey Beards lleva participando desde hace 5 años en el programa “Salamanca de Noche” promovido por la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura y Saberes.

Blink es una exposición compuesta por dos instalaciones pictóricas dedicadas al paisaje, entendido como una experiencia del cuerpo y la memoria y observado desde la experimentación con las cualidades de la visión y la captación mecánica de imágenes. La primera instalación está formada por 179 piezas de pequeño formato (8 x 6 cm) que se presentan como fragmentos de paisaje ordenados cromáticamente a través de las veinticuatro horas del día, desde el amanecer a la noche. Son fragmentos que evocan un momento y en ocasiones una forma imperceptible, que retratan puntos de vista y evocan la manera en que los recuerdos aparecen en nuestra mente: imposibles de recuperar, llegan como un pestañeo, transformados en lo más esencial de la experiencia, que es la luz, el color y la atmósfera. La segunda sala continúa este tema, pero en este caso mediante dos grandes formatos (250 x 195 cm) enfrentados, en los que la misma imagen de un paisaje se muestra como un positivo y un negativo fotográfico. Esta especie de espejo teje un espacio pictórico irremediablemente ilusorio en el que las posibilidades e imposibilidades de la visión humana son convertidas en la representación misma.

En la línea de la pintura de Diego Vallejo, esta es un ejercicio irreal que captura precisamente la imposibilidad de retener el paisaje en la memoria, ejercicio que cuestiona la naturaleza y su representación al ser fragmentada y pintada a pesar de la visión normalizadora. El formato y disposición de las piezas busca forzar el cuerpo de quien mira para potenciar su unión con el paisaje pintado.

Con la colaboración de Fundación Gaceta.

El concierto de los finalistas del II Concurso Municipal de Bandas y/o Solistas de Salamanca en el Patio del DA2 se corresponde con la segunda fase de este certamen. La actuación de cada banda y/o solista tendrá como máximo media hora de duración. Al finalizar todas las actuaciones, tendrán lugar las votaciones del jurado y del público asistente para otorgar el primer, segundo y tercer puesto de la segunda edición del concurso.

Entre la lluvia es un taller mural en colaboración con Galería Urbana Barrio del Oeste conducido por Pablo S.Herrero, Cristina Jimeno y Juanvi Sánchez en el que invitan a trazar y habitar un bosque a través de materiales sostenibles.

A través de varias técnicas sencillas y de bajo impacto ecológico, los asistentes pudieron construir un mural unitario y diverso. El objetivo fue crear un diálogo entre el color como fondo y la forma como elemento figurativo. Esta conversación pictórica se sostuvo alrededor de la interpretación de la naturaleza. Para participar en este taller de pintura mural no se requieren conocimientos previos de dibujo o pintura.

Entre la lluvia es un taller mural en colaboración con Galería Urbana Barrio del Oeste conducido por Pablo S.Herrero, Cristina Jimeno y Juanvi Sánchez en el que invitan a trazar y habitar un bosque a través de materiales sostenibles.

A través de varias técnicas sencillas y de bajo impacto ecológico, los asistentes pudieron construir un mural unitario y diverso. El objetivo fue crear un diálogo entre el color como fondo y la forma como elemento figurativo. Esta conversación pictórica se sostuvo alrededor de la interpretación de la naturaleza. Para participar en este taller de pintura mural no se requieren conocimientos previos de dibujo o pintura.

Desde el DA2 y la Facultad de Bellas Artes de Salamanca se ha preparado un año más la exposición de trabajos de fin de grado, en esta ocasión de lxs estudiantes de la promoción que comenzaron en 2017 y que se han graduado en Bellas Artes este año 2021. Queremos destacar el trabajo dedicado y cuidadoso de quiénes hacen posible desde el DA2 la producción en formato virtual de la exposición, gracias al apoyo de la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura y Saberes. Siempre el momento de la graduación es clave en la vida de lxs estudiantes, pero también para todxs lxs docentes y el personal de servicios de la facultad. Con la exposición mostramos los resultados de los procesos de trabajo y aprendizaje compartidos durante los últimos cuatro años en la comunidad universitaria. Para lxs estudiantes es especialmente importante porque seguramente muestran su trabajo artístico en un centro de arte contemporáneo de referencia por primera vez. Deseamos que este ejercicio sea un ensayo de lo que cotidianamente hagan en sus carreras artísticas y profesionales por venir. La exposición acerca al público general y la ciudad de Salamanca las temáticas, motivaciones y preocupaciones de las creaciones de nuestrxs jóvenes artistas, sin duda sugerentes interpretaciones, pero también registros de lo que sucede en nuestros días.

Diego del Pozo Barriuso, Vicedecano de Infraestructuras y Extensión Cultural.

Con la colaboración de la Facultad de Bellas Artes y de la Universidad de Salamanca.

Los barcos de la trata esclavista que triangularon el espacio Atlántico para urdir la empresa expansionista mediante la que España ejerció el dominio y la violencia colonial sobre África y América Latina, trasladaron millones de cuerpos negros de un continente a otro. Resultante de ese tráfico de seres humanos llegaron al Caribe los griots, individuos mayormente masculinos que tenían en sus comunidades originarias una función social relevante como contadores de historias, mediadores sociales, transmisores de saber y de la memoria colectiva. La brutalidad del desarraigo que impuso el colonialismo sobre millones de vidas trasplantadas, que constituyen la denominada diáspora africana, conllevó la invención de estrategias de enmascaramiento y supervivencia a través de prácticas transculturales y sincréticas en las que se expresó la voz subalterna y la resistencia etno-racial de africanos, africanas y afrodescendientes frente a la hegemonía y el poder blancos. Las imágenes que esta exposición destaca de la Colección Luciano Méndez mediante las obras de José Bedia, Moisés Finalé, Santiago Rodríguez Olazabal, Eduardo Roca (Choco), Manuel Mendive, Carlos Quintana, Roberto Chile, Ricardo Elías y Roberto Diago, exploran esa presencia insoslayable de la africanidad en la construcción de los relatos de la nación cubana, que se encuentra en la espiritualidad y la cultura popular, en la complejidad de las religiones afrocubanas y en la denuncia del racismo que estos artistas expresan, recuperando del pasado los cantos de los griots que la colonialidad no pudo acallar.

Tomando como fuente de inspiración la obra de Ramón Masats, uno de los principales cronistas de las gentes y rincones de España, #VISITSPAIN ha construido durante este verano un “mapa de colores” del país que podrá disfrutarse ahora en algunos de los espacios más emblemáticos de las ciudades participantes.

Después de varios meses en los que el aislamiento y las restricciones de movilidad han sido las principales protagonistas, PHotoESPAÑA proponía esta actividad para redescubrir o conocer, a través de las imágenes de otros, la riqueza cromática escondida en cada rincón de España.

La convocatoria, que invitaba a los fotógrafos profesionales y aficionados a retratar los tesoros de los entornos naturales y patrimoniales de nuestro país, ha recibido un total de 14.200 imágenes de toda España.

En el patio del DA2 se encuentran las fotografías de las personas seleccionadas de nuestra ciudad: Ana Carro, Ángela Muruve, Antonio García-Caro Rico, Carmen Cortés Pinilla, Cristil Salinas, Cristina Pérez Rubio, Diego Cardalliaguet, Elsa García Sánchez, J.J. Macías, Jesús de la Cuesta Alonso, Jose Collantes Pérez, Laura Roldán González, M. Ángeles Albarrán Ruiz, María Rosa de las Heras, María Teresa González Zamora, María Teresa Guerra Maroto, Milagros Bautista Rodríguez, Octavio Hernández Bautista, Saioa Méndez, Sara Serrano Piedecasas Norris y Verónica Sánchez Pastor.

El vigésimo séptimo programa del ciclo Visiones Contemporáneas -últimas tendencias del cine y el vídeo en España- un proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales para el DA2 -Domus Artium 2002- está dedicado a la artista visual, Cristina Lucas.

Cristina Lucas se ha posicionado en los últimos años como una de las artistas más reconocidas del panorama internacional. Trabaja indistintamente con performance, video, fotografía, instalación, dibujo y pintura, siempre otorgando a sus obras una necesaria perspectiva de género, cuestionando el orden establecido y las estructuras de poder. Los distintos arquetipos familiares, lo considerado ético y moral y lo político entendido como un sistema que atraviesa los diversos modos de relación social, son las líneas temáticas sobre las que construye su trabajo. Lucas nos recuerda que el arte es un juego de seducción que sirve para hacernos conscientes de lo que está ocurriendo realmente en nuestra sociedad.

Se licenció en 1998 en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y realizó un máster en la Universidad de California Irvine en el año 2000. Fue coordinadora del Canal de Arte de Kataweb España y se formó en gestión cultural en Casa de América de Madrid. Posteriormente, amplió sus estudios en el International Studio and Curatorial Program de Nueva York y en la Rijksakademie de Ámsterdam.

Ha realizado numerosas exposiciones de su obra, tanto individuales como colectivas, en diferentes países, destacando como solo show el Palais de Tokio y Centro Pompidou de París, Museo de Arte Carrillo Gil de México, Museo Guggenheim de Bilbao, Centro de Arte 2 de Mayo, Sala Alcalá 31 y galerías Juana de Aizpuru y Albarrán Bourdais de Madrid, MUSAC de León o Artium de Vitoria. Así como en exposiciones colectivas: Manifesta 12, Palermo, la 12ª Bienal de Shanghái, la 5ª Bienal Urania Industrial o Diversity United en la New Tretyakov Gallery de Moscú. En 2009 fue premiada con el Premio Ojo Crítico de Artes Plásticas y en 2014 con el Premio MAV.

Para este ciclo hemos puesto el foco en las obras en vídeo en las que trabaja en torno a la crítica a la institución y los mecanismos de poder y la resistencia. Esta será la primera vez que su trabajo se presente de forma individual en Salamanca.

OBRAS

Más Luz. Sonido. Color. Digital. 2003. 10’.

Con la majestuosidad arquitectónica de una iglesia del SXIX acompañada de una música celestial, Cristina encamina sus pasos al interior del recinto y nos invita a compartir un conversatorio a modo de confesión con varios de los sacerdotes que ofician en dicho templo. Se pregunta sobre el papel de la Iglesia Católica dentro de la Institución Arte y de su propia condición como artista visual en relación al poder. La cámara se mantiene en todo momento en una distancia prudencial con ella, siendo el montaje protagonista cuando corta a planos detalle de las vidrieras, el altar o las esculturas dominantes. La conversación está repleta de preguntas con un marcado tono existencialista y sublime que son respondidas de forma algo más mundana por el confesor. Las dudas nos sitúan en el cuestionamiento sobre el papel del artista contemporáneo dentro de la iglesia, habiendo sido esta durante siglos mecenas para los artistas y en un momento actual postcapitalista en el que hemos cambiado como mecenas a los bancos y fundaciones privadas. Ahora son “otros” los interesados en el arte. El distanciamiento entre ambos se traduce en el distanciamiento con la cámara y el sonido. También la falta de acuerdo en los fundidos a blanco. Hay en toda la atmósfera de la pieza un cierto aire low-fi que formalmente nos lleva al docudrama de cámara semioculta o la sitcom televisiva con momentos para el humor y la ironía como cuando hablando de la entonces recién inaugurada Catedral de la Almudena en Madrid, los dos, sacerdote y artista, se ponen de acuerdo en su fealdad en cuanto a la decoración interior “Si no hay ni siquiera un Tàpies dentro” dicen. La obra finaliza casi en loop, con Cristina Lucas, entendemos todavía con muchas dudas sin resolver, saliendo de la iglesia hacia un mundo exterior que poco tiene que ver ya con los parámetros y las reglas de la Institución Católica.

Tú también puedes caminar. Sonido. Color. Digital. 2006. 9’.

Cristina Lucas parte de una cita de Virginia Wolf para hablarnos de memoria y perspectiva de género, líneas fundamentales en toda su práctica artística. El arranque del vídeo nos sitúa en el amanecer de un típico pueblo mediterráneo del Sur de España, donde el día va a empezar y nosotras seremos testigos, a la manera de una fábula de todo lo que allí pueda acontecer. La localización responde al pueblo blanco andaluz de Vejer de la Frontera y la performance a las acciones de un día cualquiera.

En la obra descubrimos a la artista leyendo un fragmento de “Una habitación propia” libro de cabecera de la literatura feminista, escrito por Virginia Wolf y que ella leía en voz alta a sus alumnas para motivarlas, el resto del audio es ruido de las noticias televisivas, murmullos y ladridos. Los protagonistas de esta historia son un grupo de perros amaestrados de pie sobre sus patas traseras. Los perros se desplazan por espacios comunes, domésticos, se asoman al escaparate de una tienda, pasean por parques e interactúan con la gente que se encuentran por el camino. La complicidad con las habitantes del pueblo, mujeres todas ellas en sus rutinas y la idiosincrasia del propio paisaje hacen de “Tú también puedes caminar” una obra crítica que cuenta con un carácter etnográfico en su puesta en escena, pero que conlleva también una mirada plena de sentido del humor, apoyada por una banda sonora que resulta un mix de canciones pop, músicas referentes de la cultura tradicional y una serie de dinámicas activadas por los perros desfilando en grupo por las calles o entrando a los establecimientos, que nos hacen sonreír como espectadoras al otro lado de la pantalla. Los perros se van uniendo en su marcha a la manera de un ejército de soldados que desfilan y la gente vitorea a su paso. Ellos son las estrellas cuando pasan por la puerta del Club Paraíso y les aplauden en masa o los espera la propietaria de la Venta Paquito a la hora del almuerzo.

El sentido de libertad de unos perros que caminan solos y sueltos, sin ataduras, ni dueños. La historia se repite, aparece escrita al final como cierre del cuento, en clara alusión a las mujeres y el movimiento feminista que supuso una liberación y es que no debemos privar de su condición a ningún ser vivo.

Rousseau & Sophie. Sonido. Color. Digital. 2009. 8’10’’.

En la línea de enfrentamiento hacia los postulados del patriarcado que inició con la pieza performativa “Habla” en 2008, Cristina Lucas realiza en “Rousseau y Sophie” una relectura hacia la obra “Emilio, o De la educación”, tratado filosófico escrito por Jean-Jacques Rousseau , en 1762, sobre la naturaleza del hombre, desde el cual denostaba a la mujer y sus habilidades para el aprendizaje o para ejercer cualquier trabajo fuera de las tradicionales tareas domésticas. En este caso, la performance pasa a ser colectiva y son un grupo de mujeres de distintas edades las que literalmente martillean, golpean e insultan una estatua del reconocido filósofo situada en una plaza del centro de Madrid. El gran filósofo Rousseau, padre del modelo de la democracia moderna occidental, mantenía un subtexto machista en su literatura. El más relevante de sus textos y del cual Cristina toma el pasaje que escuchamos a través de una irónica voz en off masculina en el vídeo, fue el V libro del compendio donde presentaba a la mujer, Sophie, como un ser pasivo y débil, acompañante natural del hombre y supeditada a ser ama de casa, esposa y madre:

«Establecido este principio, se deduce que el destino especial de la mujer consiste en agradar al hombre […] el mérito del varón consiste en su poder, ysólo por ser fuerte agrada».

La desigual igualdad rousseauniana, pensada y llevada a cabo únicamente para los hombres poderosos, se considera como el catalizador principal que llevó al surgimiento de la primera ola del feminismo, encarnada en el texto “La vindicación”,de Mary Wollstencraft y publicado en el año 1792. En la obra Cristina plantea la venganza de las mujeres a la manera de una fiesta popular, con orquesta incluida y luces de colores en la plaza pública donde está situada la estatua del filósofo. Por delante del busto van pasando un grupo muy diverso de mujeres, convocadas por la artista para violentar física y verbalmente el rostro esculpido del “idolatrado” filósofo de los tiempos de la Ilustración. El hecho de que esto ocurra en una plaza pública es altamente simbólico si recordamos el estado insignificante que ocupaba la mujer en el pensamiento de Rousseau. Cristina además sitúa a las mujeres participantes a la altura de los ojos del filósofo, al subirlas a una plataforma colocada justo enfrente, eliminando así jerarquías y la unilateralidad de un discurso hegemónico, que ya de por sí impone cualquier monumento. Las mujeres y la realización del vídeo con la colocación horizontal de la cámara, le restan poder al personaje y discurso, 250 años después. Rasgo característico, y que enlaza con otros vídeos como “Tú también puedes caminar”, es el sentido del humor que impregna Cristina a gran parte de su obra, sin perder un ápice de fuerza el discurso político y la crítica institucional.

Europleasure International Ltd. TOUCH AND GO. Sonido. Color. Digital. 2010. 13’.

Invitada por la Bienal de Liverpool, Cristina Lucas vuelve a tomar la performance colectiva para llevar a cabo una crítica a la Institución y las estructuras de poder. En este caso, sitúa la acción frente a los almacenes de Europleasure International Ltd. abandonados en el mismo año de producción del vídeo, 2010. Durante la década de los 80, en plena era Thatcher, esta ciudad británica sufrió un desmantelamiento industrial y el consiguiente cierre de fábricas, que tuvo como resultado un aumento de la tasa de desempleo y por tanto de pobreza en la clase obrera, en paro y sin futuro. En la actualidad esta crisis económica se transformó en un símbolo de lucha para todos los trabajadores del Reino Unido en contra del inminente postcapitalismo. Con la nueva crisis del 2007, trabajadores y clase media vuelven a tomar las calles en señal de lucha contra grandes empresarios y multinacionales, que han polarizado el sistema. Para esta obra Cristina realiza una bella planificación, apoyada por una cuidada puesta en escena, movimientos de cámara ralentizados y el acompañamiento musical de Patrick Dineen, que basa su partitura en el famoso “Revolution” compuesto por The Beatles en el año 1968, no hay que olvidar que The Beatles, el grupo de pop más famoso de la historia, salió también de las calles de Liverpool. La belleza plástica y casi poética de las imágenes de los cristales rotos, contrasta con la violencia intrínseca de las acciones. La artista colabora y graba a manera de acto orquestado a los trabajadores, ya veteranos, que habían trabajado en éste y otros complejos industriales similares del país, cuarenta años atrás. Estas personas se detienen frente al edificio, algunos acompañados por sus parejas o nietos y arrojan, en un ejemplo simbólico de venganza, las piedras rompiéndolo todo en pedazos. Justo después del lanzamiento una expresión de satisfacción se refleja en sus rostros, representando durante toda la obra una coreografía de la resistencia. El significado detrás del gesto es doble: primero como recuerdo del activismo contra el capitalismo. En segundo lugar, Cristina integra a sus protagonistas en una nueva fase de globalización como ella misma dice “este es el sector de la sociedad que actúa como bisagra del nuevo orden económico: el del entretenimiento”. A través de este estilizado lanzamiento de piedras, esta generación se vincula y se integra al sistema de producción cultural donde todo capital humano es instrumentalizado al servicio del espectáculo de los medios e internet.

La artista visual Cristina Lucas es la invitada este año al encuentro organizado dentro del ciclo Visiones Contemporáneas-últimas tendencias del cine y el video en España- que comisarían Playtime Audiovisuales en el DA2.

Para esta ocasión, Cristina habló de sus referentes, procesos de trabajo y conceptos fundamentales en el desarrollo de su trayectoria artística.

Desear que ocurra algo es el título elegido para el audiovisual que se presentó el 11 de noviembre, resultante del proyecto Locamente: Arte, cine y otras demencias.

La propuesta fue seleccionada por la convocatoria Art for Change de la Fundación “la Caixa” y, a través de prácticas colaborativas, planteaba la creación de un grupo de creación e investigación que, desde el medio audiovisual, trabajara en torno a la salud mental.

En la presentación, las personas participantes en el proyecto compartieron su experiencia durante el proceso y el resultado audiovisual, Desear que ocurra algo.

Visita a los almacenes donde se albergan la Colección del DA2, la Colección de la Fundación Coca-Cola y la Colección de Arte Contemporáneo Cubano Luciano Méndez Sánchez. El recorrido incluye varios espacios que habitualmente no están abiertos al público como el muelle de carga o el taller de restauración.

Esta exposición muestra sólo una pequeña parte de la producción fotográfica de Victorino García Calderón a lo largo de sus 50 años de trayectoria. Su obra ha sabido captar aspectos inéditos —invisibles unas veces, efímeros otras— de una realidad sobre la que proyecta una mirada siempre curiosa, y en ocasiones también nostálgica, por insignificante que a priori parezca el motivo fotografiado.

El denominador común de sus imágenes, independientemente del tema abordado, es su particular tratamiento de la luz, capaz de transformar las formas y los escenarios, tal y como le enseñó su maestro Pepe Núñez. Formado en la Facultad de Bellas Artes, Victorino confiesa a su vez la profunda huella que han ejercido en su trabajo la admiración por la belleza que le inculcó su madre y el ejemplo vital de su padre, que le ha llevado a una militancia y un compromiso inquebrantables a la hora de reivindicar un mundo más justo, libre e igualitario.

De este crisol de miradas surge una obra apasionada, a caballo entre la poética y la política. Así, unas veces su cámara se convierte en arma privilegiada para lanzar agudos comentarios críticos ante una determinada realidad que denuncia o reivindica, y, en otras ocasiones, para mostrar su absoluta fascinación ante los misterios inagotables que descubre en la naturaleza.

Se realziaron un total de 40 visitas con un total de 339 asistentes

Se han realizado 67 sesiones con un total de 563asistentes.

Asprodes, en colaboración con el DA2 y la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura y Ssaberes, dentro de su acción para la mejora de la calidad de vida de las personas con discapacidad intelectual y sus familias, ha elaborado este proyecto relacionado con la expresión artística, que se puso en marcha dentro de un espacio comunitario identificado con el arte, como es el centro salmantino de arte contemporáneo DA2 (Domus Artium 2002).

El proyecto se dirige a las personas con más necesidades de apoyo, que son las que más dificultades encuentran para expresarse y encontrar una vía de desarrollo personal en los talleres, pero en un futuro se hará extensivo al resto de personas. El propósito es incorporar a las personas con discapacidad intelectual a la creación contemporánea desde la accesibilidad total. Entendiendo ésta como accesible a cualquier grado de autonomía.

Por todo esto, la intención es llevar a cabo un proyecto de trabajo en talleres de procesos creativos en todas las variantes de actividades posibles en el entorno que el DA2 ofrece, promocionando el proceso como mecanismo de experimentación, reflexión e intervención. Entendiendo la creatividad como la vía de expresión y comunicación única de cada persona, como proyecto de vida y no solo como una ocupación del tiempo.

6 sesiones Alumnos del IES Fernando de Rojas que estudian Técnico Superior en Educación Infantil, en colaboración con A Mano Cultura y la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura y Saberes, han realizado en el Museo unas instalaciones de juego libre para niños y niñas hasta seis años.
Esta propuesta artística forma parte del Proyecto Miradas que reúne en una estrategia de trabajo conjunto a profesorado y alumando del Ciclo Formativo de Técnico Superior en Educación Infantil del IES Fernando de Rojas y a dieciséis escuelas infantiles de la ciudad y la provincia. También dos madres de día y un padre de día, una escuela libre y un centro materno infantil. Son en total más de cuarenta profesionales implicadas. Una suerte que estos profesionales de la educación en Salamanca se reúnan para reflexionar sobre las necesidades de los niños de esta edad y para dar visibilidad tanto la importancia de esta etapa como la labor de los profesionales educadores.