Hugo Alonso, formado en la Facultad de Bellas Artes de Salamanca y Roma, desarrolla proyectos expositivos cuya naturaleza es heterogénea. Inicialmente pictórica, su obra ha ido expandiéndose hacia otros campos como el vídeo, el sonido o la instalación audiovisual.

La exposición que ocupó el Domus Artium 2002 se desplegó de una forma secuencial y ascendente sobre toda la planta inferior del museo. Muda al principio, ya que únicamente lo visual restaba presente, fué mutando en una suerte de estímulos audiovisuales, tras los cuales el espectador era quien finalmente decidia dónde están los límites físicos de esta exposición, caracterizada por una semántica ambigua y una estética con reverberaciones de película onírica, after hour, parque de atracciones y pinacoteca clásica.

Su trabajo ha estado presente de forma continuada en los últimos años en ferias de arte contemporáneo nacionales e internacionales como Zona Maco, Volta, Arco, Seattle Art Fair, Art Toronto o Art Paris y forma parte de significativas colecciones públicas y privadas como MUSAC, DA2, Colección Pilar Citoler, Colección Rucandio, Colección Bassat, CAB, Fundación BMW, Diputación de Salamanca, CEART, Fundación Gaceta u Obra Social Caja España.

En colaboración con la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca, la exposición de Trabajos de Fin de Grado tiene lugar este año, debido a la crisis de la Covid-19, en formato digital. Una muestra interesante y representativa de las nuevas temáticas, formas, estéticas y preocupaciones del arte actual, donde también leer el intercambio intenso y generoso que se ha producido en los procesos de co-aprendizaje entre distintas generaciones de artistas.

En esta exposición retrospectiva se muestran la totalidad de los proyectos realizados por el Laboratorio de Antropología Audiovisual Experimental (LAAV_) hasta la fecha que actualmente forman parte de la Colección MUSAC: “Puta Mina”, “Proyecto teleclub” “Libertad”, y “Hostal España”, además de ofrecer un resumen del trabajo de La rara troupe, un grupo de creación audiovisual, formado con personas afectadas por problemas de salud mental o interesadas en cuestiones sobre el malestar psicosocial, que nace en el año 2012 y que inspira la creación del propio laboratorio.

A través de la puesta en escena de imágenes que aluden al mundo del pop, el imaginario adolescente y la cultura de masas, Congost reflexiona sobre cuestiones que recorren desde la propia práctica artística, hasta fenómenos como el de la construcción de ídolos y estrellas juveniles.

Ángel Luis Iglesias toma como origen la imagen cinematográfica para, a través de la pintura, realizar una catarsis de la figuración y de su concepto original, tratando de descubrir el grado de vibración de la representación originaria, a la que suma una nueva luz, un nuevo color y un nuevo concepto que traduzca los antiguos héroes y antihéroes.

El artista apuesta por un nuevo Parnaso, basado en la deconstrucción y la posterior construcción de la imagen de los nuevos dioses presentados por la industria cinematográfica. Partiendo de esta representación, el artista suma su propia visión del mundo, llevando a cabo un lienzo comprometido y justo. 

Trabajo y rigor presiden una creación con un nuevo orden dentro del cual se descubre lo ilimitado del arte. El formato de gran dimensión de una parte importante de la obra, con el que el autor hace un guiño a la gran pantalla de la vida, da como resultado un deleite visual donde los abismos se encuentran sólo en nuestra propia percepción.

Se han realizado 23 sesiones con un total de 379 asistentes.

“Locamente: Arte, cine y otras demencias” ha sido una de las propuestas seleccionadas por el programa Art for Change de la Fundación “la Caixa” en su edición 2020. El proyecto, presentado desde la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura y Saberes, se lleva a cabo desde el DA2, con el fin de crear un grupo de creación e investigación estable que, desde el medio audiovisual, trabaja en torno a la salud mental.

A través de prácticas colaborativas, “Locamente: Arte, cine y otras demencias” planteaba la creación de un grupo de trabajo estable con base en el DA2 y en colaboración con la Facultad de Bellas Artes que conecte a personas con y sin diagnósticos clínicos de salud mental y hacer partícipes activos del mismo a personas tradicionalmente excluidas del medio cultural y artístico.

El grupo de creación e investigación formado ha trabajado a lo largo del 2021 en la realización colaborativa de un audiovisual, así como en el desarrollo de una investigación artística paralela al proceso que reflexione en torno a la autorrepresentación y el pensamiento del contexto del malestar social como algo que nos afecta a todas las personas más allá de los diagnósticos.

Bleda y Rosa son un referente de la fotografía española actual. En 2008 fueron galardonados con el Premio Nacional de Fotografía

Impartieron una conferencia a los alumnos matriculados en el Master BBAA de la Universidad de Salamanca

Con El origen de las especies, Charles R. Darwin pone en entredicho el relato bíblico y abre, en el siglo XIX, el debate sobre el origen del hombre. En ese mismo siglo, en 1848, se descubren en Gibraltar los primeros restos de fósiles humanos. Unos años más tarde un naturalista alemán, Johann C. Fuhlrott, encontró restos en el valle de Neander que atribuyó a un ser intermedio entre el simio y el hombre. Nace así la prehistoria y la paleoantropología y con ellas la necesidad de cerrar el árbol de la evolución humana.

Recientemente un equipo de científicos de la Universidad de Leipzig ha datado una serie de fósiles humanos hallados en el norte de África con una antigüedad de 300.000 años. Los restos de aquellos primeros hombres encontrados en el yacimiento marroquí de Jebel Irhoud han revolucionado el mundo de la antropología, pues desplazan el origen de nuestra especie a un lugar hasta ahora descartado.

En estos casi dos siglos transcurridos entre el primer hallazgo y los últimos descubrimientos de Marruecos se ha ido generando una especie de mapa geográfico y temporal sobre el origen de nuestra especie. Una sucesión de fechas, especies, equipos científicos y lugares sobre los que se asienta este trabajo.

El proyecto Origen desarrollado por María Bleda (Castellón, 1968) y José María Rosa (Albacete, 1970) nos propone un recorrido físico por las diferentes teorías de la evolución humana desarrolladas durante los siglos XIX, XX y XXI que han situado el origen del hombre, dependiendo de los hallazgos científicos del momento, en distintos espacios geográficos. Un paseo por los lugares donde en algún momento se situó el primer hombre y por la propia historia de la paleoantropología; El valle de Neander, el lago Turkana, la garganta de Olduvai o la sierra de Atapuerca. Paisaje, socialización y hábitat. Aspectos ligados a las diferentes especies durante el proceso de hominización son el punto de partida para el desarrollo teórico y estético de esta propuesta artística.

Al realizar balance de la crisis vivida en el año 2020, nuestros recuerdos son bombardeados por imágenes continuas relativas a la pandemia, que nos recuerdan los meses pasados –extraños, insólitos, atípicos– que hemos vivido y que solo podría haber imaginado algún director de cine de ciencia ficción.

Por medio de la fotografía, lenguaje universal y medio de comunicación directo y sin filtros, deseamos recopilar aquellas imágenes inéditas de nuestra ciudad bajo estas circunstancias tan extrañas, y que formarán parte de nuestra historia más reciente.

Quiénes mejor para capturar esos instantes que las personas que recorrieron sus calles durante el estado de alarma: los fotógrafos de prensa de nuestra ciudad, quienes estuvieron informando de la situación y dejando constancia de esta Salamanca vacía, silenciosa y atormentada. ¿Qué otra cosa es la fotografía sino una forma de detener el tiempo, de registrar un instante que de otra forma desaparece?

Cada una de las obras que forman parte de esta exposición tiene una mirada particular, más artística o más informativa. Diez formas diferentes de observar una misma realidad, la de Ángel Almeida, David Arranz, Enrique Carrascal, Javier Cuesta, Jesús Formigo, José Manuel García, Lydia González, Manuel Ángel Laya, Arai Santana y María Serna.

El enorme impacto que produce en la escena del arte contemporáneo la aparición del expresionismo abstracto americano, alcanza a Carlos León, nacido a mediados del siglo XX, en los momentos iniciales de su formación. La radicalidad de aquellas propuestas emprendidas por artistas de muy diverso registro, pero unidos por una profunda voluntad innovadora, aportan al joven pintor el ejemplo de una nueva forma de abordar la práctica artística. La solemnidad casi religiosa de la pintura de Mark Rothko, la esencialidad de Barnett Newman, la capacidad transgresora de Jackson Pollock o las incesantes búsquedas de Robert Motherwell, dejaron en él la simiente de una ambición creadora que se ha mantenido activa y determinante a lo largo de toda su producción. Explorador incansable de nuevos materiales y soportes sobre los que cimentar las bases físicas de su trabajo, Carlos León nos ofrece en esta exposición una suerte de resumen de su trayectoria, en el que considera su momento de madurez, convertido ya en una especie de Odiseo que regresa a sus orígenes cargado de experiencias intensamente vividas.

El título elegido para esta muestra, Fracturas, alude a esa experiencia interior conductora del desarrollo de toda su obra, presidida por una voluntad gozosa de afrontar la existencia, no ajena sin embargo al inevitable componente trágico de quien no desconoce el sufrimiento.

Avanzando a base de fracturas, rehaciéndose a base de suturas, la trayectoria del artista constituye un claro ejemplo de esa aristotélica forma de existir que conlleva un incesante esculpirse a sí mismo. Carlos León escenifica en la presente muestra su personal regreso a la Ítaca de su fascinación juvenil por un arte concentrado y austero, despojado de toda anécdota o adorno, de un arte esencial en el que lo autobiográfico queda disuelto en el magma de la convulsa y siderante experiencia de nuestra época. La P que le aguarda en su bien amada isla, la de la Penélope de Odiseo, es para él la nunca olvidada inicial de la palabra Pintura.

Después del ciclo dedicado a Carles Congost, el próximo mes de febrero, arranca la novena temporada de Visiones Contemporáneas- últimas tendencias del cine y el vídeo en España- proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales, desde el cual se difunde el audiovisual más arriesgado e innovador con la obra de Maddi Barber, cineasta y antropóloga visual de Lacabe (Navarra). El territorio que habita, la tradición y la cultura popular son parte fundamental de su trabajo. Barber nos muestra, de manera minuciosa, la resiliencia del mundo rural y la fuerza de la colectividad, frente al individualismo capitalista. Sus películas, conectan al espectador con la naturaleza y la necesidad de cuidar el paisaje, generando otros vínculos posibles a nivel económico y político, donde cobran importancia los cuidados y el respeto hacia el entorno. Todo este mensaje, se ve envuelto en unas imágenes poéticas, cercanas al realismo mágico y la narrativa etnográfica, en el campo de la no ficción. Sus películas, han sido seleccionadas en festivales internacionales como Zinebi, Punto de Vista, festival internacional de cine de San Sebastián y Visions du Réel. Esta será la primera vez que se presenten en Salamanca.

El proyecto de Javier Codesal Evangelio mayor, presentado por primera vez en DA2, consiste en una película, una serie fotográfica y una pieza mural (fotografía y texto). Como es habitual en muchas de sus obras, el artista se centra en una representación no canónica de los cuerpos (en este caso, por la edad) y en un tratamiento renovado de algunas tradiciones sociales y culturales (ahora, el Evangelio).

Evangelio mayor trata del envejecimiento en el contexto de las personas LGTBIQ+. El envejecimiento y los fenómenos que lo acompañan suelen quedar en la sombra de las representaciones visuales, que prefieren modelos jóvenes y saludables. Esta exclusión se agudiza cuando se trata de lesbianas, gais, transexuales y otros disidentes sexuales, cuyas imágenes suelen ceñirse a un reducido conjunto de estereotipos. Pero vejez o enfermedad (y el filme hace también memoria del sida) nos permiten a todos experimentar la fragilidad del cuerpo vivo y pensar luego los límites sociales y culturales que nos condicionan; además, edad y enfermedad ponen en juego la capacidad para enfrentar dichos límites, aspecto central de la creatividad humana.

A la representación de la diferencia de los cuerpos y sus comportamientos se une la relectura y reescritura de textos culturales y de los propios lenguajes artísticos. Evangelio mayor apuesta por superar las convenciones genéricas del audiovisual, en cuyo campo Codesal es un referente, recogiendo sugerencias del cine y el vídeo alternativo realizado por artistas desde las primeras décadas del siglo XX. Por ello, Evangelio mayor no responde a la fórmula heterofílmica “ficción versus documental”, pues toma elementos de las dos partes.

De la misma manera que un cuerpo queer supone por su mera presencia una indisciplina en relación con las reglas y una impugnación del orden, la película asume ese mismo carácter interrumpiendo algunos cánones disciplinarios. Estamos ante un filme queer en su materialidad discursiva, por maneras, actuaciones y dichos; y, tal vez, ante un ensayo queer, dado su carácter mixto y tentativo, junto a las referencias que practica.

La revisión y reencarnación de textos bíblicos no tiene en esta obra valor religioso sino cultural, como restos de un pasado mítico que sobrevive de distintas maneras y continúa ejerciendo violencia en las políticas del cuerpo actuales. Evangelio mayor ensaya una relectura de los Evangelios desde puntos de vista LGTBIQ+, usando un lenguaje diferencial. De hecho, la película ha supuesto un proceso artístico de relación con los participantes desde su doble condición de personas y personajes, cuya presencia (pasado, aspiraciones y propuestas) ha determinado grandemente el contenido y formalización de la obra.

Evangelio mayor se vincula con obras anteriores del artista, de manera especial con los largometrajes Evangelio en Granada (Meta) y Testimonio de Frederman, ambos de 2019, orientados estos desde la violencia política en Colombia.

Evangelio Mayor ha sido rodado en gran parte en la residencia Josete Massa para mayores LGTBIQ+ durante la reforma del edificio previa a su puesta en marcha, entre 2019 y 2020. Esta residencia pública, primera en su género en el mundo, es gestionada por la Fundación 26D.

El filme Evangelio Mayor ha sido producido en el marco del programa Apoyo a la creación de la Fundación “la Caixa”.

El DA2 retoma tras un año de ausencia por la pandemia la exposición de los premios San Marcos de la Facultad de Bellas Artes, este año en su edición número XXIV, donde se muestran las obras premiadas y seleccionadas en las categorías de escultura, dibujo, grabado, audiovisuales, fotografía, diseño y otras manifestaciones artísticas.

El jurado ha estado compuesto por diferentes representantes de la Facultad de Bellas Artes, así como del DA2 y de la Diputación de Salamanca.

Con esta convocatoria lxs estudiantes tienen la oportunidad de mostrar su trabajo en un centro de arte, una experiencia de iniciación dentro de su carrera artística. Los Premios San Marcos, son uno de esos primeros pasos importantes para lxs futuros artistas, donde experimentarán lo que será algo cotidiano en sus próximas vidas.

Diego del Pozo Barriuso, Vicedecano de Infraestructuras y Extensión Cultural.

Bajo el título Síntoma de lo vivo se presenta el último proyecto de la artista Lorena Amorós en el DA2 (Domus Artium 2002) de Salamanca. La muestra recoge obras de nueva creación que revelan la continuidad de una línea de investigación donde se reflexiona sobre la autobiografía y la ficción. En la serie de trabajos artísticos seleccionados, se identifican e intercambian las anécdotas biográficas de la artista y de figuras históricas como, en este caso, Martha Maxwell (1831-1881), la primera taxidermista en crear dioramas donde podía verse a los animales naturalizados integrados en su hábitat. Desde los episodios biográficos y notablemente excéntricos de Maxwell, nos adentraremos de la mano de Amorós en una mise en scène sobre las relaciones teatrales entre lo vivo y lo muerto, sobre las formas más bizarras de representación de la naturaleza. La exposición se traduce en una narración escenográfica compuesta por obras que responden a la paradoja que conlleva una práctica como la taxidermia, donde se crean escenas dinámicas a partir de cuerpos inertes. La vida, entonces, aparece como un síntoma, como algo que sólo se muestra como apariencia, y donde las vidas de Maxwell y Amorós se cruzan para hablarnos de un relato común.

Parte de las obras de Síntoma de lo vivo han sido producidas en el marco de las Ayudas para la investigación, creación y producción artísticas en el campo de las artes visuales del Ministerio de Cultura y Deporte.

El catálogo de esta exposición ha sido editado gracias al apoyo del ICA Instituto de las Industrias Culturales y de las Artes de la Región de Murcia, en el contexto de las Ayudas Económicas, en régimen de concurrencia competitiva, dirigidas a profesionales de las artes plásticas y visuales para el desarrollo de proyectos.

Visita a los almacenes donde se albergan la Colección del DA2, la Colección de la Fundación Coca-Cola y la Colección de Arte Contemporáneo Cubano Luciano Méndez Sánchez. El recorrido incluye varios espacios que habitualmente no están abiertos al público como el muelle de carga o el taller de restauración.

Hazlo tú mismo es una actividad en torno a la serigrafía, impartida por Ainoa Riesco y Manuel Prendes, las dos personas detrás del estudio de serigrafía Ora Labora Studio.

Cada participante encontró un pequeño taller de serigrafía con los materiales fundamentales de la técnica y una sencilla muestra de los pasos a seguir en este proceso artístico al que numerosos artistas recurren para obtener reproducciones de calidad de sus obras. Se acompañaron de diversos materiales pertenecientes a ediciones realizadas en Ora Labora Studio, tales como pruebas de color, de registro o fotolitos. Por último, pudieron serigrafiar una imagen preparada para la ocasión. Lo hicieron sobre papel y sobre una bolsa de algodón que se llevaron consigo.

El albergue invisible es el resultado de una exploración por varios códigos de comunicación ligados a ámbitos de marginación social. Lo que en un primer momento se planteó como una interpretación estética de múltiples signos utilizados por comunidades vulneradas fue transformándose, en algunos casos, en una construcción simbólica que nace de historias contadas por personas que artista y comisario han llegado a conocer. Si bien algunas vivencias narradas de viva voz arrojan luz sobre la investigación, el poderoso relato lleva irremediablemente a una construcción poética. En parte para volver a ocultar las señales que querían desvelar, en parte para mostrar la intensidad de estas experiencias.

Esta muestra es un híbrido que pone el foco en la necesidad de inventar, utilizar, adaptar y transformar la comunicación no solo para tener acceso a la posibilidad de mejorar determinadas condiciones o para igualar situaciones de flagrante injusticia, sino también sencillamente para permanecer con vida.

Así, serán cuatro grupos humanos, cuatro códigos, cuatro lugares muy distantes entre sí y cuatro momentos en el tiempo los que serán trasladados a las paredes del centro de arte para dar testimonio de una parte, escondida y silenciosa, que también pertenece al gigante de la comunicación humana.

El lenguaje de Pablo S. Herrero está ligado al código de las formas vegetales. Árboles y bosques, tanto en murales como en obra gráfica, son el vehículo para mostrar relaciones entre lo dinámico y lo estático, individuo y comunidad, sostenibilidad y resistencia. Su medio de actividad como muralista suelen ser los espacios descentrados y marginales, tomando los barrios periféricos como paradigma del rechazo que la ciudad provoca a grandes partes de sí misma. Por otra parte, concentra su trabajo también en zonas rurales. Ha desarrollado proyectos en espacio público en España, Portugal, Francia, Italia, Eslovaquia, Polonia, Noruega, EE.UU., Uruguay, Argentina y Cuba.

El vigésimo sexto programa del ciclo Visiones Contemporáneas -últimas tendencias del cine y el vídeo en España- un proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales para el DA2 -Domus Artium 2002- está dedicado a la cineasta, bailarina y coreógrafa Tuixén Benet.

Benet codirige la compañía teatral “Les Filles Föllen” con Margherita Bérgamo y también es guitarrista + voz del grupo pop punk “Les Sueques”. Su formación pasa por haber estudiado coreografía y técnicas de interpretación en el Conservatorio Superior de Danza del Instituto del Teatro de Barcelona y dirección cinematográfica en la prestigiosa escuela de audiovisuales “CalArts” en Los Ángeles donde ha dirigido su primer largometraje “Clausura”. En la actualidad, prefiere dirigir que bailar y esta evolución se percibe en sus trabajos, pasando de estar delante de las cámaras en numerosos videoclips y durante cinco años como coreógrafa de los directos de la cantante chilena, Javiera Mena, a colocarse detrás.

En las obras de Benet cobra protagonismo la mujer, el cuerpo y el gesto. Son historias sobre ella misma, sus amigas y esa búsqueda común de encontrar un lugar en el mundo. Las narrativas propias de la ficción cinematográfica varían y no se sustentan sobre los diálogos de los personajes, ni sobre los primeros planos, sino que se canalizan a través de los movimientos de las actrices y los espacios que habitan.

A lo largo de su trayectoria ha sido nominada en múltiples ocasiones a los UK Music Video Awards y condecorada en Le Club des Directeurs Artistiques 2018. En 2020, ha sido galardonada con el Premio Aportación Excepcional al Cine de Danza Choreoscope 2020. Con su compañía “Les Filles Föllen” ganó el Premio Nuevo Talento de Danza 2011 de la Asociación Profesional de Danza de Cataluña.

Para este Ciclo, hemos puesto el foco en las obras en las que interrelaciona de pleno el cine con la danza: “Unitat de Xocs II”, “Aloma & Mila”, “Lazarus” y “Caballo Negro”. Esta será la primera vez que su trabajo se presente en Salamanca.

El Decanato de la Facultad de Bellas Artes y DA2 Domus Artium 2002 por primera vez realizan la exposición de obras resultantes de los Trabajos de Fin de Máster, del recién creado Máster Universitario en Estudios Avanzados en Producción y Prácticas Artísticas. Se trata de la exposición de la primera promoción del este máster.

Hace tiempo que Amparo Sard empezó a preguntarse sobre dónde está el alma de todo aquello que se presenta ante nuestros ojos, sobre cuál es la trascendencia de esas imágenes que tenemos justo delante. Unas dudas pertinentes que le llevaron a iniciar un camino por cuya senda todavía discurre, un itinerario lleno de búsquedas y hallazgos en el que las acciones de transitar y de sentir son mucho más importantes que el acto de encontrar.

Blink es una exposición compuesta por dos instalaciones pictóricas dedicadas al paisaje, entendido como una experiencia del cuerpo y la memoria y observado desde la experimentación con las cualidades de la visión y la captación mecánica de imágenes. La primera instalación está formada por 179 piezas de pequeño formato (8 x 6 cm) que se presentan como fragmentos de paisaje ordenados cromáticamente a través de las veinticuatro horas del día, desde el amanecer a la noche. Son fragmentos que evocan un momento y en ocasiones una forma imperceptible, que retratan puntos de vista y evocan la manera en que los recuerdos aparecen en nuestra mente: imposibles de recuperar, llegan como un pestañeo, transformados en lo más esencial de la experiencia, que es la luz, el color y la atmósfera. La segunda sala continúa este tema, pero en este caso mediante dos grandes formatos (250 x 195 cm) enfrentados, en los que la misma imagen de un paisaje se muestra como un positivo y un negativo fotográfico. Esta especie de espejo teje un espacio pictórico irremediablemente ilusorio en el que las posibilidades e imposibilidades de la visión humana son convertidas en la representación misma.

En la línea de la pintura de Diego Vallejo, esta es un ejercicio irreal que captura precisamente la imposibilidad de retener el paisaje en la memoria, ejercicio que cuestiona la naturaleza y su representación al ser fragmentada y pintada a pesar de la visión normalizadora. El formato y disposición de las piezas busca forzar el cuerpo de quien mira para potenciar su unión con el paisaje pintado.

Con la colaboración de Fundación Gaceta.

Entre la lluvia es un taller mural en colaboración con Galería Urbana Barrio del Oeste conducido por Pablo S.Herrero, Cristina Jimeno y Juanvi Sánchez en el que invitan a trazar y habitar un bosque a través de materiales sostenibles.

A través de varias técnicas sencillas y de bajo impacto ecológico, los asistentes pudieron construir un mural unitario y diverso. El objetivo fue crear un diálogo entre el color como fondo y la forma como elemento figurativo. Esta conversación pictórica se sostuvo alrededor de la interpretación de la naturaleza. Para participar en este taller de pintura mural no se requieren conocimientos previos de dibujo o pintura.

Entre la lluvia es un taller mural en colaboración con Galería Urbana Barrio del Oeste conducido por Pablo S.Herrero, Cristina Jimeno y Juanvi Sánchez en el que invitan a trazar y habitar un bosque a través de materiales sostenibles.

A través de varias técnicas sencillas y de bajo impacto ecológico, los asistentes pudieron construir un mural unitario y diverso. El objetivo fue crear un diálogo entre el color como fondo y la forma como elemento figurativo. Esta conversación pictórica se sostuvo alrededor de la interpretación de la naturaleza. Para participar en este taller de pintura mural no se requieren conocimientos previos de dibujo o pintura.

Desde el DA2 y la Facultad de Bellas Artes de Salamanca se ha preparado un año más la exposición de trabajos de fin de grado, en esta ocasión de lxs estudiantes de la promoción que comenzaron en 2017 y que se han graduado en Bellas Artes este año 2021. Queremos destacar el trabajo dedicado y cuidadoso de quiénes hacen posible desde el DA2 la producción en formato virtual de la exposición, gracias al apoyo de la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura y Saberes. Siempre el momento de la graduación es clave en la vida de lxs estudiantes, pero también para todxs lxs docentes y el personal de servicios de la facultad. Con la exposición mostramos los resultados de los procesos de trabajo y aprendizaje compartidos durante los últimos cuatro años en la comunidad universitaria. Para lxs estudiantes es especialmente importante porque seguramente muestran su trabajo artístico en un centro de arte contemporáneo de referencia por primera vez. Deseamos que este ejercicio sea un ensayo de lo que cotidianamente hagan en sus carreras artísticas y profesionales por venir. La exposición acerca al público general y la ciudad de Salamanca las temáticas, motivaciones y preocupaciones de las creaciones de nuestrxs jóvenes artistas, sin duda sugerentes interpretaciones, pero también registros de lo que sucede en nuestros días.

Diego del Pozo Barriuso, Vicedecano de Infraestructuras y Extensión Cultural.

Con la colaboración de la Facultad de Bellas Artes y de la Universidad de Salamanca.

Los barcos de la trata esclavista que triangularon el espacio Atlántico para urdir la empresa expansionista mediante la que España ejerció el dominio y la violencia colonial sobre África y América Latina, trasladaron millones de cuerpos negros de un continente a otro. Resultante de ese tráfico de seres humanos llegaron al Caribe los griots, individuos mayormente masculinos que tenían en sus comunidades originarias una función social relevante como contadores de historias, mediadores sociales, transmisores de saber y de la memoria colectiva. La brutalidad del desarraigo que impuso el colonialismo sobre millones de vidas trasplantadas, que constituyen la denominada diáspora africana, conllevó la invención de estrategias de enmascaramiento y supervivencia a través de prácticas transculturales y sincréticas en las que se expresó la voz subalterna y la resistencia etno-racial de africanos, africanas y afrodescendientes frente a la hegemonía y el poder blancos. Las imágenes que esta exposición destaca de la Colección Luciano Méndez mediante las obras de José Bedia, Moisés Finalé, Santiago Rodríguez Olazabal, Eduardo Roca (Choco), Manuel Mendive, Carlos Quintana, Roberto Chile, Ricardo Elías y Roberto Diago, exploran esa presencia insoslayable de la africanidad en la construcción de los relatos de la nación cubana, que se encuentra en la espiritualidad y la cultura popular, en la complejidad de las religiones afrocubanas y en la denuncia del racismo que estos artistas expresan, recuperando del pasado los cantos de los griots que la colonialidad no pudo acallar.

Tomando como fuente de inspiración la obra de Ramón Masats, uno de los principales cronistas de las gentes y rincones de España, #VISITSPAIN ha construido durante este verano un “mapa de colores” del país que podrá disfrutarse ahora en algunos de los espacios más emblemáticos de las ciudades participantes.

Después de varios meses en los que el aislamiento y las restricciones de movilidad han sido las principales protagonistas, PHotoESPAÑA proponía esta actividad para redescubrir o conocer, a través de las imágenes de otros, la riqueza cromática escondida en cada rincón de España.

La convocatoria, que invitaba a los fotógrafos profesionales y aficionados a retratar los tesoros de los entornos naturales y patrimoniales de nuestro país, ha recibido un total de 14.200 imágenes de toda España.

En el patio del DA2 se encuentran las fotografías de las personas seleccionadas de nuestra ciudad: Ana Carro, Ángela Muruve, Antonio García-Caro Rico, Carmen Cortés Pinilla, Cristil Salinas, Cristina Pérez Rubio, Diego Cardalliaguet, Elsa García Sánchez, J.J. Macías, Jesús de la Cuesta Alonso, Jose Collantes Pérez, Laura Roldán González, M. Ángeles Albarrán Ruiz, María Rosa de las Heras, María Teresa González Zamora, María Teresa Guerra Maroto, Milagros Bautista Rodríguez, Octavio Hernández Bautista, Saioa Méndez, Sara Serrano Piedecasas Norris y Verónica Sánchez Pastor.

El vigésimo séptimo programa del ciclo Visiones Contemporáneas -últimas tendencias del cine y el vídeo en España- un proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales para el DA2 -Domus Artium 2002- está dedicado a la artista visual, Cristina Lucas.

Cristina Lucas se ha posicionado en los últimos años como una de las artistas más reconocidas del panorama internacional. Trabaja indistintamente con performance, video, fotografía, instalación, dibujo y pintura, siempre otorgando a sus obras una necesaria perspectiva de género, cuestionando el orden establecido y las estructuras de poder. Los distintos arquetipos familiares, lo considerado ético y moral y lo político entendido como un sistema que atraviesa los diversos modos de relación social, son las líneas temáticas sobre las que construye su trabajo. Lucas nos recuerda que el arte es un juego de seducción que sirve para hacernos conscientes de lo que está ocurriendo realmente en nuestra sociedad.

Se licenció en 1998 en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y realizó un máster en la Universidad de California Irvine en el año 2000. Fue coordinadora del Canal de Arte de Kataweb España y se formó en gestión cultural en Casa de América de Madrid. Posteriormente, amplió sus estudios en el International Studio and Curatorial Program de Nueva York y en la Rijksakademie de Ámsterdam.

Ha realizado numerosas exposiciones de su obra, tanto individuales como colectivas, en diferentes países, destacando como solo show el Palais de Tokio y Centro Pompidou de París, Museo de Arte Carrillo Gil de México, Museo Guggenheim de Bilbao, Centro de Arte 2 de Mayo, Sala Alcalá 31 y galerías Juana de Aizpuru y Albarrán Bourdais de Madrid, MUSAC de León o Artium de Vitoria. Así como en exposiciones colectivas: Manifesta 12, Palermo, la 12ª Bienal de Shanghái, la 5ª Bienal Urania Industrial o Diversity United en la New Tretyakov Gallery de Moscú. En 2009 fue premiada con el Premio Ojo Crítico de Artes Plásticas y en 2014 con el Premio MAV.

Para este ciclo hemos puesto el foco en las obras en vídeo en las que trabaja en torno a la crítica a la institución y los mecanismos de poder y la resistencia. Esta será la primera vez que su trabajo se presente de forma individual en Salamanca.

OBRAS

Más Luz. Sonido. Color. Digital. 2003. 10’.

Con la majestuosidad arquitectónica de una iglesia del SXIX acompañada de una música celestial, Cristina encamina sus pasos al interior del recinto y nos invita a compartir un conversatorio a modo de confesión con varios de los sacerdotes que ofician en dicho templo. Se pregunta sobre el papel de la Iglesia Católica dentro de la Institución Arte y de su propia condición como artista visual en relación al poder. La cámara se mantiene en todo momento en una distancia prudencial con ella, siendo el montaje protagonista cuando corta a planos detalle de las vidrieras, el altar o las esculturas dominantes. La conversación está repleta de preguntas con un marcado tono existencialista y sublime que son respondidas de forma algo más mundana por el confesor. Las dudas nos sitúan en el cuestionamiento sobre el papel del artista contemporáneo dentro de la iglesia, habiendo sido esta durante siglos mecenas para los artistas y en un momento actual postcapitalista en el que hemos cambiado como mecenas a los bancos y fundaciones privadas. Ahora son “otros” los interesados en el arte. El distanciamiento entre ambos se traduce en el distanciamiento con la cámara y el sonido. También la falta de acuerdo en los fundidos a blanco. Hay en toda la atmósfera de la pieza un cierto aire low-fi que formalmente nos lleva al docudrama de cámara semioculta o la sitcom televisiva con momentos para el humor y la ironía como cuando hablando de la entonces recién inaugurada Catedral de la Almudena en Madrid, los dos, sacerdote y artista, se ponen de acuerdo en su fealdad en cuanto a la decoración interior “Si no hay ni siquiera un Tàpies dentro” dicen. La obra finaliza casi en loop, con Cristina Lucas, entendemos todavía con muchas dudas sin resolver, saliendo de la iglesia hacia un mundo exterior que poco tiene que ver ya con los parámetros y las reglas de la Institución Católica.

Tú también puedes caminar. Sonido. Color. Digital. 2006. 9’.

Cristina Lucas parte de una cita de Virginia Wolf para hablarnos de memoria y perspectiva de género, líneas fundamentales en toda su práctica artística. El arranque del vídeo nos sitúa en el amanecer de un típico pueblo mediterráneo del Sur de España, donde el día va a empezar y nosotras seremos testigos, a la manera de una fábula de todo lo que allí pueda acontecer. La localización responde al pueblo blanco andaluz de Vejer de la Frontera y la performance a las acciones de un día cualquiera.

En la obra descubrimos a la artista leyendo un fragmento de “Una habitación propia” libro de cabecera de la literatura feminista, escrito por Virginia Wolf y que ella leía en voz alta a sus alumnas para motivarlas, el resto del audio es ruido de las noticias televisivas, murmullos y ladridos. Los protagonistas de esta historia son un grupo de perros amaestrados de pie sobre sus patas traseras. Los perros se desplazan por espacios comunes, domésticos, se asoman al escaparate de una tienda, pasean por parques e interactúan con la gente que se encuentran por el camino. La complicidad con las habitantes del pueblo, mujeres todas ellas en sus rutinas y la idiosincrasia del propio paisaje hacen de “Tú también puedes caminar” una obra crítica que cuenta con un carácter etnográfico en su puesta en escena, pero que conlleva también una mirada plena de sentido del humor, apoyada por una banda sonora que resulta un mix de canciones pop, músicas referentes de la cultura tradicional y una serie de dinámicas activadas por los perros desfilando en grupo por las calles o entrando a los establecimientos, que nos hacen sonreír como espectadoras al otro lado de la pantalla. Los perros se van uniendo en su marcha a la manera de un ejército de soldados que desfilan y la gente vitorea a su paso. Ellos son las estrellas cuando pasan por la puerta del Club Paraíso y les aplauden en masa o los espera la propietaria de la Venta Paquito a la hora del almuerzo.

El sentido de libertad de unos perros que caminan solos y sueltos, sin ataduras, ni dueños. La historia se repite, aparece escrita al final como cierre del cuento, en clara alusión a las mujeres y el movimiento feminista que supuso una liberación y es que no debemos privar de su condición a ningún ser vivo.

Rousseau & Sophie. Sonido. Color. Digital. 2009. 8’10’’.

En la línea de enfrentamiento hacia los postulados del patriarcado que inició con la pieza performativa “Habla” en 2008, Cristina Lucas realiza en “Rousseau y Sophie” una relectura hacia la obra “Emilio, o De la educación”, tratado filosófico escrito por Jean-Jacques Rousseau , en 1762, sobre la naturaleza del hombre, desde el cual denostaba a la mujer y sus habilidades para el aprendizaje o para ejercer cualquier trabajo fuera de las tradicionales tareas domésticas. En este caso, la performance pasa a ser colectiva y son un grupo de mujeres de distintas edades las que literalmente martillean, golpean e insultan una estatua del reconocido filósofo situada en una plaza del centro de Madrid. El gran filósofo Rousseau, padre del modelo de la democracia moderna occidental, mantenía un subtexto machista en su literatura. El más relevante de sus textos y del cual Cristina toma el pasaje que escuchamos a través de una irónica voz en off masculina en el vídeo, fue el V libro del compendio donde presentaba a la mujer, Sophie, como un ser pasivo y débil, acompañante natural del hombre y supeditada a ser ama de casa, esposa y madre:

«Establecido este principio, se deduce que el destino especial de la mujer consiste en agradar al hombre […] el mérito del varón consiste en su poder, ysólo por ser fuerte agrada».

La desigual igualdad rousseauniana, pensada y llevada a cabo únicamente para los hombres poderosos, se considera como el catalizador principal que llevó al surgimiento de la primera ola del feminismo, encarnada en el texto “La vindicación”,de Mary Wollstencraft y publicado en el año 1792. En la obra Cristina plantea la venganza de las mujeres a la manera de una fiesta popular, con orquesta incluida y luces de colores en la plaza pública donde está situada la estatua del filósofo. Por delante del busto van pasando un grupo muy diverso de mujeres, convocadas por la artista para violentar física y verbalmente el rostro esculpido del “idolatrado” filósofo de los tiempos de la Ilustración. El hecho de que esto ocurra en una plaza pública es altamente simbólico si recordamos el estado insignificante que ocupaba la mujer en el pensamiento de Rousseau. Cristina además sitúa a las mujeres participantes a la altura de los ojos del filósofo, al subirlas a una plataforma colocada justo enfrente, eliminando así jerarquías y la unilateralidad de un discurso hegemónico, que ya de por sí impone cualquier monumento. Las mujeres y la realización del vídeo con la colocación horizontal de la cámara, le restan poder al personaje y discurso, 250 años después. Rasgo característico, y que enlaza con otros vídeos como “Tú también puedes caminar”, es el sentido del humor que impregna Cristina a gran parte de su obra, sin perder un ápice de fuerza el discurso político y la crítica institucional.

Europleasure International Ltd. TOUCH AND GO. Sonido. Color. Digital. 2010. 13’.

Invitada por la Bienal de Liverpool, Cristina Lucas vuelve a tomar la performance colectiva para llevar a cabo una crítica a la Institución y las estructuras de poder. En este caso, sitúa la acción frente a los almacenes de Europleasure International Ltd. abandonados en el mismo año de producción del vídeo, 2010. Durante la década de los 80, en plena era Thatcher, esta ciudad británica sufrió un desmantelamiento industrial y el consiguiente cierre de fábricas, que tuvo como resultado un aumento de la tasa de desempleo y por tanto de pobreza en la clase obrera, en paro y sin futuro. En la actualidad esta crisis económica se transformó en un símbolo de lucha para todos los trabajadores del Reino Unido en contra del inminente postcapitalismo. Con la nueva crisis del 2007, trabajadores y clase media vuelven a tomar las calles en señal de lucha contra grandes empresarios y multinacionales, que han polarizado el sistema. Para esta obra Cristina realiza una bella planificación, apoyada por una cuidada puesta en escena, movimientos de cámara ralentizados y el acompañamiento musical de Patrick Dineen, que basa su partitura en el famoso “Revolution” compuesto por The Beatles en el año 1968, no hay que olvidar que The Beatles, el grupo de pop más famoso de la historia, salió también de las calles de Liverpool. La belleza plástica y casi poética de las imágenes de los cristales rotos, contrasta con la violencia intrínseca de las acciones. La artista colabora y graba a manera de acto orquestado a los trabajadores, ya veteranos, que habían trabajado en éste y otros complejos industriales similares del país, cuarenta años atrás. Estas personas se detienen frente al edificio, algunos acompañados por sus parejas o nietos y arrojan, en un ejemplo simbólico de venganza, las piedras rompiéndolo todo en pedazos. Justo después del lanzamiento una expresión de satisfacción se refleja en sus rostros, representando durante toda la obra una coreografía de la resistencia. El significado detrás del gesto es doble: primero como recuerdo del activismo contra el capitalismo. En segundo lugar, Cristina integra a sus protagonistas en una nueva fase de globalización como ella misma dice “este es el sector de la sociedad que actúa como bisagra del nuevo orden económico: el del entretenimiento”. A través de este estilizado lanzamiento de piedras, esta generación se vincula y se integra al sistema de producción cultural donde todo capital humano es instrumentalizado al servicio del espectáculo de los medios e internet.

La artista visual Cristina Lucas es la invitada este año al encuentro organizado dentro del ciclo Visiones Contemporáneas-últimas tendencias del cine y el video en España- que comisarían Playtime Audiovisuales en el DA2.

Para esta ocasión, Cristina habló de sus referentes, procesos de trabajo y conceptos fundamentales en el desarrollo de su trayectoria artística.

Visita a los almacenes donde se albergan la Colección del DA2, la Colección de la Fundación Coca-Cola y la Colección de Arte Contemporáneo Cubano Luciano Méndez Sánchez. El recorrido incluye varios espacios que habitualmente no están abiertos al público como el muelle de carga o el taller de restauración.

Esta exposición muestra sólo una pequeña parte de la producción fotográfica de Victorino García Calderón a lo largo de sus 50 años de trayectoria. Su obra ha sabido captar aspectos inéditos —invisibles unas veces, efímeros otras— de una realidad sobre la que proyecta una mirada siempre curiosa, y en ocasiones también nostálgica, por insignificante que a priori parezca el motivo fotografiado.

El denominador común de sus imágenes, independientemente del tema abordado, es su particular tratamiento de la luz, capaz de transformar las formas y los escenarios, tal y como le enseñó su maestro Pepe Núñez. Formado en la Facultad de Bellas Artes, Victorino confiesa a su vez la profunda huella que han ejercido en su trabajo la admiración por la belleza que le inculcó su madre y el ejemplo vital de su padre, que le ha llevado a una militancia y un compromiso inquebrantables a la hora de reivindicar un mundo más justo, libre e igualitario.

De este crisol de miradas surge una obra apasionada, a caballo entre la poética y la política. Así, unas veces su cámara se convierte en arma privilegiada para lanzar agudos comentarios críticos ante una determinada realidad que denuncia o reivindica, y, en otras ocasiones, para mostrar su absoluta fascinación ante los misterios inagotables que descubre en la naturaleza.

Se realziaron un total de 40 visitas con un total de 339 asistentes

Se han realizado 67 sesiones con un total de 563asistentes.

Asprodes, en colaboración con el DA2 y la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura y Ssaberes, dentro de su acción para la mejora de la calidad de vida de las personas con discapacidad intelectual y sus familias, ha elaborado este proyecto relacionado con la expresión artística, que se puso en marcha dentro de un espacio comunitario identificado con el arte, como es el centro salmantino de arte contemporáneo DA2 (Domus Artium 2002).

El proyecto se dirige a las personas con más necesidades de apoyo, que son las que más dificultades encuentran para expresarse y encontrar una vía de desarrollo personal en los talleres, pero en un futuro se hará extensivo al resto de personas. El propósito es incorporar a las personas con discapacidad intelectual a la creación contemporánea desde la accesibilidad total. Entendiendo ésta como accesible a cualquier grado de autonomía.

Por todo esto, la intención es llevar a cabo un proyecto de trabajo en talleres de procesos creativos en todas las variantes de actividades posibles en el entorno que el DA2 ofrece, promocionando el proceso como mecanismo de experimentación, reflexión e intervención. Entendiendo la creatividad como la vía de expresión y comunicación única de cada persona, como proyecto de vida y no solo como una ocupación del tiempo.

6 sesiones Alumnos del IES Fernando de Rojas que estudian Técnico Superior en Educación Infantil, en colaboración con A Mano Cultura y la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura y Saberes, han realizado en el Museo unas instalaciones de juego libre para niños y niñas hasta seis años.
Esta propuesta artística forma parte del Proyecto Miradas que reúne en una estrategia de trabajo conjunto a profesorado y alumando del Ciclo Formativo de Técnico Superior en Educación Infantil del IES Fernando de Rojas y a dieciséis escuelas infantiles de la ciudad y la provincia. También dos madres de día y un padre de día, una escuela libre y un centro materno infantil. Son en total más de cuarenta profesionales implicadas. Una suerte que estos profesionales de la educación en Salamanca se reúnan para reflexionar sobre las necesidades de los niños de esta edad y para dar visibilidad tanto la importancia de esta etapa como la labor de los profesionales educadores.