Comisariada por Carlos Trigueros Mori.

El color, al igual que el tacto o el olor, evoca. El color en sí mismo remite a un tipo de memoria que va más allá del hecho pictórico. Rubén Rodrigo a través de su obra despliega huellas de coloración, sugerencias, lucubraciones sobre la superficie a través de un proceso sereno y traslúcido. Su propia manufactura se desarrolla, desde una performatividad sosegada y temporalmente dilatada, como un acto experiencial hacia el observador, en lugar de negociar información. Sus cuadros son grandes masas de óleo reabsorbidas en una tela previamente imprimada con un tono; un juego visual de yuxtaposiciones, capas o veladuras que van conformando delicadas articulaciones e inflexiones de una coloración aparentemente pura. Las contaminaciones progresivas del color –al relacionarse con otros afines, complementarios o directamente contrarios– fomentan que aparezcan extravíos de la mirada e intuiciones. Un tratamiento orgánico y de devenir natural que testimonia lo que la biología demuestra, que la vida se desarrolla en virtud de la mezcla. Una pintura libre e indisciplinada que ahonda, además, en la histórica relación entre fondo y figura, en el debate entre luz y su ocultación o en la impureza de lo orgánico desde la ambigüedad contemporánea. Aliento vital que se revela a través de las convulsiones de una quimérica pureza cromática.

En 2019 el colectivo artístico OMA (Arte Otros Medios) celebró sus 25 años de existencia con una amplia exposición en el DA2 titulada TIEMPO OMA. La práctica artística en el medio rural ha sido el aliciente de unos encuentros anuales que, desde 1994, han congregado a artistas y no artistas en torno al proceso creativo, en el municipio salmantino de Herguijuela de la Sierra. Los Encuentros OMA se conciben como una reunión de trabajo desde los parámetros clásicos del Land Art, donde los participantes realizan intervenciones artísticas. Mediante el empleo de lenguajes variados que trascienden lo pictórico y lo escultórico – como las instalaciones, las performances, el videoarte o el arte sonoro, se generan reflexiones sobre la naturaleza, el territorio y su contexto, manteniendo siempre un respeto al medio ambiente desde una conciencia de lo efímero.TIEMPO OMA recopiló, en un ejercicio casi arqueológico, los vestigios de más de doscientas intervenciones, creadas en los encuentros, y su contextualización en la Sierra de Francia. Al mismo tiempo los artistas Miguel Poza, Carlos Beltrán, Fernando Méndez, Ana García, José Antonio Juárez, Cristina Pimentel, Jesús Palmero, Juanvi Sánchez, Manuel Pérez de Arrilucea y Ramón Martín intervinieron en el Centro de Arte con obras surgidas desde las experiencias en los encuentros

Las Bahamas, Luxemburgo, Islas Caimán, Singapur o Suiza, los nuevos destinos turísticos de la sociedad capitalista se erigen gracias al atractivo que desprenden. Evasión de impuestos, blanqueo de dinero, secreto bancario y agasajo al testaferro, los paraísos fiscales se configuran como espacios destinados al deleite sensorial y, sobre todo, económico que proporcionan una magnífica oferta de servicios exclusivos reservados únicamente a quienes poseen un gran capital. Partiendo de las desigualdades económicas en la sociedad actual, en esta exposición Eugenio Merino inteligentemente recurría a la ironía, a la cotidianeidad y a la crítica certera para acercar al público los grandes emisores de servicios financieros del mundo y todo su entramado de irregularidades; dinamitaba la ineficacia legislativa y su permisividad y pasividad actuales, así como recalcaba los conceptos de sumisión, control y, por supuesto, poder. Paraíso proponía un nuevo uso de la bandera, cuestionaba la denominación de patria y subrayaba los lindes fronterizos marcados por los bancos.

En 2019, Visiones Contemporáneas, últimas tendencias en el cine y vídeo en España, proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales para el DA2 - Domus Artium 2002, llegó a su séptima edición. Esta temporada comenzó -con el décimo noveno ciclo expositivo- dedicado a la cineasta Elena López Riera.

Sus imágenes huyen de la literalidad narrativa acercándonos en sus historias, de una manera poética, a todo lo misterioso y fascinante que se encuentra en la realidad, jugando habitualmente con contrastes, donde observación y recreación pueden convivir sin complejos.

Elena López Riera es cineasta y docente alicantina, con base en Suiza. Doctora en Comunicación Audiovisual, ha enseñado cine y literatura comparada en la Universidad de Ginebra. Siendo también invitada como investigadora a la Universidad Sorbonne-Paris III y como profesora a la Universidad Carlos III en Madrid.

En 2009 funda el colectivo de experimentación audiovisual Lacasinegra, quienes, tras varios años trabajando con diferentes formatos en torno a las prácticas artísticas, en 2014 realizaron el largometraje Pas à Genève. En solitario, estrenó Pueblo en la Quinzaine des Réalisateurs de Cannes de 2015. Desde entonces no ha parado de cosechar premios en algunos de los certámenes más prestigiosos a nivel internacional, como el Festival Internacional de Cine de Locarno, el Festival de Cine Europeo de Sevilla o el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde, en su última edición, ganó una mención especial del jurado. Fue también seleccionada con su nuevo proyecto, el largometraje El agua, en Ikusmira Berriak 2018, un programa de apoyo a proyectos audiovisuales que apuesten por la innovación y la experimentación.

El Land art es una corriente de arte contemporáneo que hace arte en la naturaleza donde el carácter efímero es fundamental, se trabaja en ese momento y la mayor parte de las obras desaparecen. En lo que se insiste es en el prevalecer de la naturaleza y sacar el arte de los museos, llevando las obras al exterior.

Se planteó una propuesta con una primera parte de expresión del ritmo mediante la música, y una segunda parte de expresión gráfica mediante el land-art. Se usaron para el ritmo, tubos afinados conocidos como “boomwhackers” para hacer escalas.
En la segunda parte, según el cuento El hombre que plantaba árboles de Jean Giono, los niños intervinieron en un árbol dejándose llevar por la intuición del color. Cubrieron las ramas con lanas de colores, para transformar el árbol

El Land art es una corriente de arte contemporáneo que hace arte en la naturaleza donde el carácter efímero es fundamental, se trabaja en ese momento y la mayor parte de las obras desaparecen. En lo que se insiste, es en el prevalecer de la naturaleza y sacar el arte de los museos llevando las obras al exterior.

Se planteó una propuesta con una primera parte de expresión del ritmo mediante la música, y una segunda parte de expresión gráfica mediante el land-art.
Se usaron para el ritmo, tubos afinados conocidos como “boomwhackers” para hacer escalas.
En la segunda parte, según el cuento El hombre que plantaba árboles de Jean Giono, los niños intervinieron en un árbol dejándose llevar por la intuición del color. Cubrieron las ramas con lanas de colores, para transformar el árbol

El Land art es una corriente de arte contemporáneo que hace arte en la naturaleza donde el carácter efímero es fundamental, se trabaja en ese momento y la mayor parte de las obras desaparecen. En lo que se insiste, es en el prevalecer de la naturaleza y sacar el arte de los museos llevando las obras al exterior.

Se planteó una propuesta con una primera parte de expresión del ritmo mediante la música, y una segunda parte de expresión gráfica mediante el land-art.
Se usó para crear el ritmo, tubos afinados conocidos como “boomwhackers” para hacer escalas.
En la segunda parte, según el cuento El hombre que plantaba árboles de Jean Giono, los niños intervinieron en un árbol dejándose llevar por la intuición del color. Cubrieron las ramas con lanas de colores, para transformar el árbol

El Land art es una corriente de arte contemporáneo que hace arte en la naturaleza donde el carácter efímero es fundamental, se trabaja en ese momento y la mayor parte de las obras desaparecen. En lo que se insiste, es en el prevalecer de la naturaleza y sacar el arte de los museos llevando las obras al exterior.

Se planteó una propuesta con una primera parte de expresión del ritmo mediante la música, y una segunda parte de expresión gráfica mediante el land-art.
Se usó para el ritmo, tubos afinados “boomwhackers” para hacer escalas.
En la segunda según el cuento El hombre que plantaba árboles de Jean Giono, los niños intervinieron en un árbol dejándose llevar por la intuición del color. Cubrieron las ramas con lanas de colores, para transformar el árbol

El Land art es una corriente de arte contemporáneo que hace arte en la naturaleza donde el carácter efímero es fundamental, se trabaja en ese momento y la mayor parte de las obras desaparecen. En lo que se insiste, es en el prevalecer de la naturaleza y sacar el arte de los museos llevando las obras al exterior.

Se planteó una propuesta con una primera parte de expresión del ritmo mediante la música, y una segunda parte de expresión gráfica mediante el land-art.
Se usó para el ritmo, tubos afinados “boomwhackers” para hacer escalas.
En la segunda según el cuento El hombre que plantaba árboles de Jean Giono, los niños intervinieron en un árbol dejándose llevar por la intuición del color. Cubrieron las ramas con lanas de colores, para transformar el árbol

El taller, distribuido en dos sesiones de cuatro horas, se planteó como una investigación práctica en la que cada participante, a partir de la combinación de sus propias aportaciones personales –fundamentalmente fotografías– con recursos gráficos de los archivos históricos locales, objetos cotidianos, y otros elementos diversos vinculados a la memoria de un lugar, produjo, finalmente, un fotolibro o un collage de gran formato

El Land art es una corriente de arte contemporáneo que hace arte en la naturaleza donde el carácter efímero es fundamental, se trabaja en ese momento y la mayor parte de las obras desaparecen. En lo que se insiste, es en el prevalecer de la naturaleza y sacar el arte de los museos llevando las obras al exterior.

Se planteó una propuesta con una primera parte de expresión del ritmo mediante la música, y una segunda parte de expresión gráfica mediante el land-art.
Se usó para el ritmo, tubos afinados “boomwhackers” para hacer escalas.
En la segunda según el cuento El hombre que plantaba árboles de Jean Giono, los niños intervinieron en un árbol dejándose llevar por la intuición del color. Cubrieron las ramas con lanas de colores, para transformar el árbol

El taller,distribuido en dos sesiones de cuatro horas, se planteó como una investigación práctica en la que cada participante, a partir de la combinación de sus propias aportaciones personales –fundamentalmente fotografías– con recursos gráficos de los archivos históricos locales, objetos cotidianos, y otros elementos diversos vinculados a la memoria de un lugar, produjo, finalmente, un fotolibro o un collage de gran formato

El centro de arte acogió un año más la exposición de los premios San Marcos de la Facultad de Bellas Artes, este año en su edición número XXIII, donde se mostraron las obras premiadas y seleccionadas en las categorías de escultura, dibujo, grabado, audiovisuales, fotografía, diseño y otras manifestaciones artísticas. El jurado estuvo compuesto por diferentes miembros de la Universidad, así como de instituciones públicas partícipes del evento.

Con esta convocatoria los estudiantes tuvieron la oportunidad de mostrar su trabajo en un centro de arte, de modo profesional, un peldaño más dentro de su carrera artística.

¿Qué secretos y leyendas escondía la Salamanca de la Edad Media? ¿Quiénes movían los hilos del conocimiento y ostentaban el poder dentro de una sociedad preeminentemente cristiana? ¿Qué lugar ocupaban las mujeres por aquel entonces y cómo manifestaban su potencia? Son tan solo algunas de las preguntas que se planteaba Marta Serna para desarrollar una serie de narraciones pseudo-ficticias, enraizadas en un entramado histórico, que entroncan directamente con el momento actual: porque hay estrategias sociopolíticas que apenas han cambiado y comportamientos humanos que permanecen igual.

La exposición evidenciaba una conexión vibrante entre épocas a través de escenas y personajes análogos cuyas acciones reverberan entre sí. Lo verdaderamente interesante era el camino escogido para trazar dicha línea: no las versiones oficiales ni los hitos señalados por la institución, sino todo aquello que ha permanecido semioculto y detrás de lo cual se encuentra lo mistérico, la oscuridad, las brujas, lo demoníaco. Como si la historia hubiese sido contada por otros.

Con motivo de la celebración del Día Internacional de los Museos, se realizó una visita para conocer los almacenes donde se albergan la Colección del DA2 y la Colección de la Fundación Coca-Cola. El recorrido incluyó varios espacios que habitualmente no están abiertos al público como la zona de carga / descarga y el taller de restauración.

Además el fotógrafo Alberto Prieto dió a conocer a los visitantes al museo, en su horario de apertura mientras la luz natural lo permitió, la antigua y casi extinta fotografía minutera. El fotógrafo mostró al público el proceso de toma y revelado en apenas unos minutos. De ese modo conocerieron en que consiste la fotografía minutera y pasaron un rato estupendo viendo la demostración práctica.

Más tarde, sobre las las 20.00 h, se recorrió la muestra TIEMPO OMA, que se clausuraba el domingo 19 de mayo, con el comisariado y parte de los componentes del colectivo. Una visita amena y participativa para descubrir una propuesta de arte, naturaleza y compromiso con el territorio.

En la música de ENTAVÍA hay tradición, tímbricas que recuerdan al flamenco, música europea o jazz con un aire nuevo, personal y contemporáneo. Interpretaron una música tradicional que reflejaba el tiempo actual y el de nuestros antepasados.

Los trazos que cualquier artista imprime sobre los distintos soportes constituyen las huellas primigenias de una voluntad expresiva determinada. En el terreno de la producción artística, toda “apropiación” de las técnicas utilizadas incorporará una huella característica del estilo personal de cada creador: su marca. En todo proceso creativo son precisamente estas técnicas las que ayudan a reforzar la “impronta” personal del autor, ese particular registro que permite articular cualquier propuesta lingüística.

Pero si ampliamos el espectro a otros territorios del arte, podremos relacionar también el concepto de “huella” con diversos imaginarios simbólicos que las tendencias artísticas actuales han sido capaces de generar. Muchos creadores contemporáneos han utilizado la “huella” como concepto alegórico en torno al cual reflexionar, en tanto que recorrido, surco, cicatriz, herida o índex. En estos casos, la práctica artística, más que como mera marca o rasgo de estilo, va a funcionar sobre todo como “representación” sígnica de una huella y, por tanto, como “huella de otra huella”.

La selección de obras de las colecciones del DA2 y Fundación Coca-Cola ejemplifica buena parte de estas preocupaciones sobre los recorridos, los itinerarios o los rastros que esas huellas han ido produciendo en el espacio discursivo del arte actual.

Miguel de Unamuno dejó constancia de sus viajes por las variadas comarcas salmantinas en numerosos textos, ya fuese dentro de ensayos, pequeños artículos o correspondencia privada. Gracias a estos escritos es posible trazar una serie de itinerarios a través de la provincia de Salamanca.

El proyecto artístico que presentó el colectivo artístico Los Bravú, integrado por Andrea Gómez Galayo y Diego Gómez Omil, tenía como objeto seguir dichas rutas, visitar los pueblos y lugares que se mencionan, para producir una serie de piezas pictóricas que plasmaron una suerte de recorrido etnográfico por la región a día de hoy.

La muestra pretendía realizar un recorrido etnográfico por la provincia salmantina, a través de escenas que representaban desde la evocación poética de su propio imaginario, la cultura contemporánea de pueblo y lugares de la región.

Con “Corvax” la pareja artística formada por Laura Iturralde y Xavi Núñez nos transporta a un mundo distópico y tóxico, otro planeta lleno de texturas, olores y sabores distintos; del que las sabias manos de Iturralde logran extraer belleza, al ritmo electrónico marcado por Núñez.

Estas visuales tienen la particularidad de lo artesanal: son producidas con una trabajosa combinación de herramientas analógicas y digitales. Haciendo uso de un retroproyector, Iturralde juega a las sombras chinescas con materiales cotidianos e inesperados que van desde las cartulinas hasta los láseres o los ferrofluidos que nos muestran las formas más caprichosas obedeciendo a los imanes guiados por la artista.

Paloma Peñarrubia e Iró Vas (Milagro Divino) nos ofrecen un “Oasis”, también desde la improvisación. Bajo la música de Peñarrubia, Vas establece una nueva relación espacial con su entorno, haciendo dialogar a los espacios de lo íntimo y de lo público. Los asistentes servirán de partitura para esta pieza que constituye un paréntesis en el uso habitual del espacio museístico y aporta interrogantes sobre nuestra interacción física y afectiva y la construcción social de nuestra identidad a partir de la intervención escénica de Vas que se sirve de la danza contemporánea para abrir una disrupción en nuestro contexto más cotidiano, una grieta tranquila.

Con la presencia de David Domingo, continuó la tradición del propio DA2 de visibilizar el formato videoclip. En la línea de las exposiciones dedicadas a Chris Cunningham y la recordada doble exposición que bajo el título “Video Killed the Radio Star” ocupó el Centro entre los años 2005 y 2006, en esta ocasión, a través de la figura de uno de los más iconoclastas realizadores de la actualidad, se realizó un recorrido del panorama del videoclip en España.

David ha estado vinculado a las dos productoras más reconocidas de este género, CANADA y O -Creative Studio-, ambas con base en Barcelona. En sus trabajos despliega toda una imaginería influida por la cultura popular, las referencias queer y un sentido del humor tan bello como naif.

Entre los artistas y bandas con los que ha trabajado, se encuentra un amplísimo panorama de la música pop independiente y electrónica españolas de los últimos 10 años. De Fangoria a Hidrogenesse pasando por Meneo, La Bien Querida o El Guincho. En este programa pudimos disfrutar con algunas de sus obras más conocidas

Paul Klee inventó una técnica de dibujo que denominó "sacar a pasear una línea". Esta técnica consiste en partir de un punto y desde este comenzar a dibujar una línea por donde dicta la imaginación, después se colorea el cuadro, de forma que aparecen conexiones entre el color y la música, pudiendo ser ambas disciplinas armoniosas o discordantes. Paul Klee enseñaba a sus alumnos el color y lo experimentaba analizando las gamas de los colores.
Así que, como somos muy osados y muy investigadores, nos hemos puesto manos a la obra y al ritmo de la música…

Paul Klee inventó una técnica de dibujo que denominó "sacar a pasear una línea". Esta técnica consiste en partir de un punto y desde este comenzar a dibujar una línea por donde dicta la imaginación, después se colorea el cuadro, de forma que aparecen conexiones entre el color y la música, pudiendo ser ambas disciplinas armoniosas o discordantes. Paul Klee enseñaba a sus alumnos el color y lo experimentaba analizando las gamas de los colores.
Así que, como somos muy osados y muy investigadores, nos hemos puesto manos a la obra y al ritmo de la música…

Paul Klee inventó una técnica de dibujo que denominó "sacar a pasear una línea". Esta técnica consiste en partir de un punto y desde este comenzar a dibujar una línea por donde dicta la imaginación, después se colorea el cuadro, de forma que aparecen conexiones entre el color y la música, pudiendo ser ambas disciplinas armoniosas o discordantes. Paul Klee enseñaba a sus alumnos el color y lo experimentaba analizando las gamas de los colores.
Así que, como somos muy osados y muy investigadores, nos hemos puesto manos a la obra y al ritmo de la música…

Paul Klee inventó una técnica de dibujo que denominó "sacar a pasear una línea". Esta técnica consiste en partir de un punto y desde este comenzar a dibujar una línea por donde dicta la imaginación, después se colorea el cuadro, de forma que aparecen conexiones entre el color y la música, pudiendo ser ambas disciplinas armoniosas o discordantes. Paul Klee enseñaba a sus alumnos el color y lo experimentaba analizando las gamas de los colores.
Así que, como somos muy osados y muy investigadores, nos hemos puesto manos a la obra y al ritmo de la música…

Paul Klee inventó una técnica de dibujo que denominó "sacar a pasear una línea". Esta técnica consiste en partir de un punto y desde este comenzar a dibujar una línea por donde dicta la imaginación, después se colorea el cuadro, de forma que aparecen conexiones entre el color y la música, pudiendo ser ambas disciplinas armoniosas o discordantes. Paul Klee enseñaba a sus alumnos el color y lo experimentaba analizando las gamas de los colores.
Así que, como somos muy osados y muy investigadores, nos hemos puesto manos a la obra y al ritmo de la música…

Paul Klee inventó una técnica de dibujo que denominó "sacar a pasear una línea". Esta técnica consiste en partir de un punto y desde este comenzar a dibujar una línea por donde dicta la imaginación, después se colorea el cuadro, de forma que aparecen conexiones entre el color y la música, pudiendo ser ambas disciplinas armoniosas o discordantes. Paul Klee enseñaba a sus alumnos el color y lo experimentaba analizando las gamas de los colores.
Así que, como somos muy osados y muy investigadores, nos hemos puesto manos a la obra y al ritmo de la música…

Paul Klee inventó una técnica de dibujo que denominó "sacar a pasear una línea". Esta técnica consiste en partir de un punto y desde este comenzar a dibujar una línea por donde dicta la imaginación, después se colorea el cuadro, de forma que aparecen conexiones entre el color y la música, pudiendo ser ambas disciplinas armoniosas o discordantes. Paul Klee enseñaba a sus alumnos el color y lo experimentaba analizando las gamas de los colores.
Así que, como somos muy osados y muy investigadores, nos hemos puesto manos a la obra y al ritmo de la música…

Con motivo de la clausura de la exposición Mystery Magnet, la artista Marta Serna realizó una visita comentada por la exposición. Durante la misma se realizó una performance teatral realizada por la Compañía de Teatro Paloma Mejía Martí, y una danza Performance realizada por la Compañía de Danza Cristiane Azem, coreográfiada por Cristiane Azem y Myriam Soler dentro del proyecto de danza y arte "Mujeres Malditas".

Con motivo de la clausura de la exposición “Huellas, Rastros e Itinerarios” en las Colecciones DA2 y Fundación Coca-Cola, el comisario de la exposición, José Gómez Isla, realizó una visita guiada.

La Guerra Civil española (1936-1939) causó la muerte a unas 560.000 personas, entre combatientes y civiles. Durante aquellos años, los carteles se constituyeron como herramientas esenciales para la difusión de la propaganda política en el espacio público. Óscar Seco (Madrid, 1964) reflexiona en Máquina de guerra acerca de la construcción ideológico-visual de aquella cartelería, a la que somete a un proceso de hibridación iconográfica y de reactivación semántica: animales fantásticos, paisajes barrocos, personajes de cómic o referencias al cine de ciencia-ficción se integran en composiciones rescatadas de los carteles bélicos. El resultado es un trabajo que, más allá de su carácter lúdico, acoge una sólida indagación acerca del poder de las imágenes y de la necesidad de producir relatos que desconcierten a nuestras certezas

La primera muestra colectiva de arte cubano contemporáneo que será exhibida en el DA2, llegó de la mano del coleccionista español Luciano Méndez Sánchez. Afincado en Cuba desde hace más de 20 años, el salmantino regresa a sus orígenes, trasladando una parte significativa de su colección por vez primera a España. Con ella aporta, a su tierra natal, 217 obras entre pintura, escultura, video arte, fotografía, instalaciones, etc., que reúnen a un núcleo de artistas de tal magnitud como José Bedia, Alfredo Sosabravo, Manuel Mendive, Elizabet Cerviño, Kcho, Mabel Poblet, Ania Toledo, Roberto Fabelo, Carlos Quintana, Ernesto Rancaño, entre otros. Un viaje de ida y vuelta constituye una muestra de encuentros y reencuentros entre dos escenas culturales: el arte cubano y el público español. La exposición pretende profundizar en todos aquellos aspectos culturales, sociales, antropológicos y, por supuesto, artísticos que durante más de 500 años han forjado una relación entre nuestros países, marcando en el ADN todos nuestros lazos comunes. La selección permite diagramar un recorrido por lo más representativo del arte cubano contemporáneo de las últimas cinco décadas, transitando por la obra de artistas consagrados hasta producciones de las más recientes generaciones. La muestra pretende situar en un lugar destacado al DA2 Domus Artium 2002 de Salamanca con respecto al arte cubano, y unir esta institución a una colección tan especial y única como la que atesora Luciano Méndez Sánchez. Busca mostrar y trasladar al pueblo salmantino y a los visitantes de esta bella ciudad a un nuevo escenario… protagonizar una inmersión en el arte cubano donde se conozcan y reconozcan en esta muestra

Desde la facultad de Bellas Artes, en colaboración con el DA2, se preparó con mucho cariño y orgullo la exposición de trabajos de fin de grado de los estudiantes de la promoción 2015-2019, que se han graduado en Bellas Artes este curso. Es un momento importante para todos los que integran la comunidad de la facultad, tanto docentes como estudiantes, así como el personal de servicios de la misma, pues es el momento de mostrar los resultados de los procesos de trabajo y aprendizaje compartidos durante cuatro años. Para los estudiantes es especialmente importante porque por primera vez presentan su trabajo artístico en un centro de arte contemporáneo de referencia. Este ejercicio es un solo un ensayo de lo que vendrá en breve y cotidianamente en el desarrollo de sus futuras carreras artísticas. La exposición fue una oportunidad también para que la ciudad de Salamanca y el público general conocieran el contacto con la contemporaneidad artística y creativa de nuestros jóvenes artistas. Una muestra interesante y representativa de las nuevas temáticas, formas, estéticas y preocupaciones del arte actual, donde también leer el intercambio intenso y generoso que se ha producido en los procesos de co-aprendizaje entre distintas generaciones de artistas, las de los profesores y la de los estudiantes. Diego del Pozo (Vicedecano de Infraestructuras y Extensión Cultural)

Después del ciclo dedicado a David Domingo, el próximo mes de octubre finaliza la séptima temporada de Visiones Contemporáneas, últimas tendencias de cine y el vídeo en España, proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales, con la artista visual Nuria Güell. La obra de Nuria Güell se vincula al ámbito social, político y económico expandiendo los límites convencionales del museo para acercarse al espacio de la vida diaria. Su obra cuestiona los límites de la ética y la legalidad, analizando el funcionamiento de las instituciones públicas, así como los sistemas y dispositivos de control que condicionan nuestras vidas. Sus trabajos, reconocidos a nivel internacional, se vieron por primera vez en Salamanca. Nuria mantuvo también un encuentro abierto con todo el público interesado el día 24 de octubre, tras la inauguración de su exposición.

Una propuesta en la que hay una primera parte de expresión del ritmo mediante la música, y una segunda parte de expresión plástica mediante la instalación.

Usamos para el ritmo, tubos afinados “boomwhackers” para hacer escalas y la canción africana “Olelé Moliba Makasi” para niños, cantaron y bailaron al ritmo de la música.

Una segunda parte consistiió en un scape room en las salas del DA2, para que encuentren determinadas pistas, que le sirvan para llegar a la obra de la que van a hacer una interpretación libre después los niños, la instalación de una artista cubana. Los niños trajeron un retrato suyo y lo fragmentaron para hacer la composición entre todos

Alejandro Castillo Montoya, alias Lenny (Melilla, 1992), mostrará sus últimos trabajos en el DA2 como ganador del XXIII Certamen Jóvenes Pintores de la Fundación Gaceta. La amplia y metafórica obra del artista se articula a partir de una constante productiva que hace del cruce de épocas, disciplinas, géneros y lenguajes su metodología de investigación artística. Así, en su exposición nos encontraremos una gran cantidad de obras surgidas de la multiplicidad de registros que despliega su hacer polimorfo, fuertemente enraizado en la literatura que, partiendo de una verdadera fiesta de la pintura, se expande a la cerámica, la edición de libros de estampas y grabados, el collage o el dibujo, conjugando la violencia compositiva con una marcada unicidad atmosférica en cada pieza. Su obra está marcada por constantes referencias a tradiciones y estrategias artísticas como el simbolismo, el surrealismo, el pop-art, el neoexpresionismo, el kitsch o la bad painting

Mediante el uso de diferentes micrófonos, amplificadores y altavoces, varios ecos de cinta analógicos y grabadores/reproductores de cassette con los que interviene en el devenir de la pieza, la artista investiga en la habilidad de estos ecosistemas sonoros de ajustar su conducta futura según la práctica pasada.

Una propuesta en la que hay una primera parte de expresión del ritmo mediante la música, y una segunda parte de expresión plástica mediante la instalación.

Usamos para el ritmo, tubos afinados “boomwhackers” para hacer escalas y la canción africana “Olelé Moliba Makasi” para niños, cantaron y bailaron al ritmo de la música.

Una segunda parte consistiió en un scape room en las salas del DA2, para que encuentren determinadas pistas, que le sirvan para llegar a la obra de la que van a hacer una interpretación libre después los niños, la instalación de una artista cubana. Los niños trajeron un retrato suyo y lo fragmentaron para hacer la composición entre todos

Una propuesta en la que hay una primera parte de expresión del ritmo mediante la música, y una segunda parte de expresión plástica mediante la instalación.

Usamos para el ritmo, tubos afinados “boomwhackers” para hacer escalas y la canción africana “Olelé Moliba Makasi” para niños, cantaron y bailaron al ritmo de la música.

Una segunda parte consistiió en un scape room en las salas del DA2, para que encuentren determinadas pistas, que le sirvan para llegar a la obra de la que van a hacer una interpretación libre después los niños, la instalación de una artista cubana. Los niños trajeron un retrato suyo y lo fragmentaron para hacer la composición entre todos

La obra reciente de Leonor B. de la Lastra propone un intercambio poético y enigmático con el mundo que le rodea. Sus fotografías surgen de un ejercicio meditado de ida y vuelta (de construcción y deconstrucción) que la artista iniciará al proyectar su mirada sobre la realidad cotidiana. En su búsqueda incesante por la ciudad y por la geografía del cuerpo, como una especie de flâneur baudelariano, la cámara de Leonor jugará solo un primer papel mediador al registrar los motivos encontrados, reencuadrándolos e interpretándolos en una primera fase de producción. Posteriormente, en la oscuridad de su laboratorio analógico, la autora comenzará una segunda fase creativa para transformar completamente las imágenes captadas por el objetivo. Este proceso de posproducción y reflexión poética resulta para ella tanto o más importante que la propia instantánea impresa en el negativo. Durante el proceso de ampliación de cada imagen la artista activará una metodología experimental a través del juego reflexivo con los agentes químicos propios del revelado, los virados selectivos o sus particulares intervenciones sobre el positivado final. Este laborioso trabajo de “alquimia fotográfica” (producido gracias a la incorporación de líneas y gestos de luz, encolados, virados, velados, exposiciones múltiples o fragmentaciones compositivas) generará a su vez un discurso genuino, cada vez más próximo a la abstracción y la desintegración de la propia imagen de partida.

Una propuesta en la que hay una primera parte de expresión del ritmo mediante la música, y una segunda parte de expresión plástica mediante la instalación.

Usamos para el ritmo, tubos afinados “boomwhackers” para hacer escalas y la canción africana “Olelé Moliba Makasi” para niños, cantaron y bailaron al ritmo de la música.

Una segunda parte consistiió en un scape room en las salas del DA2, para que encuentren determinadas pistas, que le sirvan para llegar a la obra de la que van a hacer una interpretación libre después los niños, la instalación de una artista cubana. Los niños trajeron un retrato suyo y lo fragmentaron para hacer la composición entre todos

Una propuesta en la que hay una primera parte de expresión del ritmo mediante la música, y una segunda parte de expresión plástica mediante la instalación.

Usamos para el ritmo, tubos afinados “boomwhackers” para hacer escalas y la canción africana “Olelé Moliba Makasi” para niños, cantaron y bailaron al ritmo de la música.

Una segunda parte consistiió en un scape room en las salas del DA2, para que encuentren determinadas pistas, que le sirvan para llegar a la obra de la que van a hacer una interpretación libre después los niños, la instalación de una artista cubana. Los niños trajeron un retrato suyo y lo fragmentaron para hacer la composición entre todos

50 visitas con 1162 asistentes.

Escolares de Secundaria, Bachillerato y Formación Profesional descubrirán el recorrido de una obra de arte desde que se idea hasta que llega a ser expuesta en un museo.

La propuesta, con un marcado carácter literario además de artístico y actual, les permite conocer el interior de un museo en profundidad, incluyendo almacenes, muelle de carga y sala de restauración, además de explorar conceptos relativos al proceso artístico en su totalidad y de aplicar su imaginación y creatividad para entender el arte contemporáneo.

25 visitas con 582 asistentes.

Escolares de Secundaria, Bachillerato y Formación Profesional descubrirán el recorrido de una obra de arte desde que se idea hasta que llega a ser expuesta en un museo. La propuesta, con un marcado carácter literario además de artístico y actual, les permite conocer el interior de un museo en profundidad, incluyendo almacenes, muelle de carga y sala de restauración, además de explorar conceptos relativos al proceso artístico en su totalidad y de aplicar su imaginación y creatividad para entender el arte contemporáneo.

Se han realizado 50 sesiones con un total de 500 asistentes.

Asprodes, en colaboración con el DA2 y la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura y Ssaberes, dentro de su acción para la mejora de la calidad de vida de las personas con discapacidad intelectual y sus familias, ha elaborado este proyecto relacionado con la expresión artística, que se puso en marcha dentro de un espacio comunitario identificado con el arte, como es el centro salmantino de arte contemporáneo DA2 (Domus Artium 2002).

El proyecto se dirige a las personas con más necesidades de apoyo, que son las que más dificultades encuentran para expresarse y encontrar una vía de desarrollo personal en los talleres, pero en un futuro se hará extensivo al resto de personas. El propósito es incorporar a las personas con discapacidad intelectual a la creación contemporánea desde la accesibilidad total. Entendiendo ésta como accesible a cualquier grado de autonomía.

Por todo esto, la intención es llevar a cabo un proyecto de trabajo en talleres de procesos creativos en todas las variantes de actividades posibles en el entorno que el DA2 ofrece, promocionando el proceso como mecanismo de experimentación, reflexión e intervención. Entendiendo la creatividad como la vía de expresión y comunicación única de cada persona, como proyecto de vida y no solo como una ocupación del tiempo.

Niños y niñas que juegan, descubren, se sorprenden, lloran, ríen, investigan, sueñan con los ojos abiertos, muestran enfado o alegría, susurran o gritan…

Educadoras que les acompañan y, juntos, aprenden y avanzan. También les miran, y atrapan instantes, generando imágenes que cuentan historias, mueven sentimientos, ilustran emociones, relaciones, comportamientos…

Imágenes, palabras y un espacio de juego: educación e infancia en el centro de arte contemporáneo.